Silvia Maglioni & Graeme Thomson - common infra/ctions
Centre for Language Unlearning

Unlearning #2 :
Unlearning privilege - talking with the disappeared
screening, reading, cooking and conversations
Workshop with Jesal Kapadia

Fugitive green: fragment of a floorspread, 2016

Rows of red poppies line the center of this magnificent floor spread, which was later cut and hemmed to be repurposed. As in several instances, the main motif changes direction in certain areas; here, alternate poppy plants appear upside down in the top row. The spread was made through the laborious process known as kalamkari, in which green is achieved by painting a yellow dye over areas tinted with indigo, but the yellow often faded, leaving only the undercoat of blue. Remarkably, the usually fugitive green is well preserved in this work.

She said: Sometimes the line between the system and a revolution is just a river. After all, isn’t the fight between the forces of resistance and the system of domination almost just as old as the Euphrates and the Ganges?

So we will spend a whole evening on reversing the flows, unlearning our ways of seeing and doing, being together, holding a continuous non-stop relay reading of keywords that arrive from the feminine consciousness.

She said: Mutiny can be as much internally directed as against objectionable external command, involving the tougher task of first exiting his or her self-fashioning as a voluntary sentinel of an unjust status quo, or rather involving those practices of auto-disassembly so eloquently described as releasing oneself from oneself, or straying afield from or deserting oneself!

Approaching what is not exclusively ends-driven, giving equal merit to process and refusing to participate in any perpetuation of the status quo, and in doing so appearing ungenerative, with commitment to inconsequential or inessential things, addressing concepts that have to do with learning to learn from below, by talking with the disappeared...voices, tongues, color, forms of life and ways of being. Searching for the common cause and not the common wealth.

She said, again: Our body is actually an upside down tree.

Calling for the suspension of causative thinking and action, feeling backward, reversing the imaginary of successive time, exiting the privileges of real and symbolic/social reproduction, failing, inconsequentially, and entering non-reproductive thought.

-------------------

This workshop is open to all.
Reservation is advised
to reservation@leslaboratoires.org or 01 53 56 15 90

-------------------

Jesal Kapadia is an artist from Bombay and many different cities. Using various mediums, her work explores the potential forms of non-capitalist subjectivities. Her interests lie in an ethical praxis of being-in-common, and the cultivation of an awareness of art that is place-based, diversified, multiple, small-scale, collective and autonomous. Jesal has long been concerned with the imaginative and affective dimensions of migration that exceed purely economic analysis – how globalization and modernization feels, rather than mere statistics. Her art tends to have a connection to a prior moment of non-globalization, generating a sense of affinity for time and space that is pre-colonial, or post-capitalist, in nature. She looks for things, poems, songs, images, writings, taste, touch, dialects and voices that contain traces of an invisible order that constantly shift upon becoming visible, emphasizing a form that refuses to be captured but continues to flow into other forms, becoming pidgin.

From 2001-2014, Jesal collectively edited art for'Rethinking Marxism' (a journal of economics, culture and society) as well as organized and participated in events with members of 16beaver group (an artist community in downtown New York that functions as an open platform for discussion, critique and collaboration). Over the last fifteen years she has taught and developed a number of courses and seminars at various schools as well as community-based or artist-organized spaces. In 2012, Jesal met with the members of Wednesday Discussion Group and the women's group WRise, both based in Cambridge MA, and has since then shared the learnings and reflections coming out of discussions with them, activating dialogues on the question of patriarchy and violence in our contemporary society.

« I shall speak that sleepwalker’s language that would not be a language if I were awake ». Clarice Lispector

Following on from their multi-faceted work around Félix Guattari’s unrealised sci-fi film Un amour d’UIQ (Univers Infra-quark), Silvia Maglioni and Graeme Thomson’s project for their residence, common infra/ctions, proposes to go beyond the coordinates of the film towards a broader investigation into the notion of the infra and its potentialities. 

common infra/ctions combines the idea of infraction in the sense of breaking established rules and codes, with that of infra action as a form of intervention taking place at once beneath and beyond the realm of action, on the margins of perceptibility and at the threshold of the common, a space that brings into play constellations of whatever singularities and improprieties.

The double sense of infra/ction will inform and affect Silvia Maglioni and Graeme Thomson’s interventions and productions both at the level of the artistic protocols used and the processes triggered through such modified or invented procedures, in a movement of contraction and expansion that will traverse interconnected areas of enquiry including language (and its unlearning), micropolitical weather-fronts, idiorhythmic assemblages, dark matter cinema and infraferences.

blog common infra/ctions:
http://cargocollective.com/common-infractions

Silvia Maglioni et Graeme Thomson have opened a research blog that they will be updating regularly during their residency at Les Laboratoires d'Aubervilliers. Discover some of the images, sounds texts and videos that traverse their journey into the realm of the infra.

Infra-events

UIQ (the unmaking-of)
light enough to see by

The first event of common infra/ctions took the form of a collective listening of visions of an invisible film: UIQ (the Unmaking-of). This electroacoustic soundwork by Graeme Thomson and Silvia Maglioni has been activated at Les Laboratoires d'Aubervilliers the time of an evening, Friday 22 January 2015.

Dark Matter Cinema - Nocturnal Committee #1

For the second event of common infra/ctions, Silvia Maglioni et Graeme Thomson invit public to join the Nocturnal Committee at Les Laboratoires d’Aubervilliers for an evening of hypnagogic projections and liminal visions. This was programmed Tuesday 16th February 2016.

Through the Letterbox

In conclusion of the reading workshop of Le Printemps des Laboratoires #4, Silvia Maglioni and Graeme Thomson have proposed an immersion in the course of Gilles Deleuze at Vincennes (1975-1976), through the screening of a new edit of Through the Letterbox, taking up a series of motifs around the theme of Psychotropification. This was programmed Thursday 7th April 2016.

One Disappear

As part of the 4th edition of Le Printemps des Laboratoires, Silvia Maglioni and Graeme Thomson have presented the screening of Disappear One, their film, at the movie theater Le Studio in Aubervilliers. This was programmed Thursday 2nd June 2016.

Dark Matter Cinema - t (OUT)e la nuit - Nocturnal Committee #2

For the second gathering of the Nocturnal Committee, summoning the tutelary spirits of Jacques Rivette and Chantal Akerman, Silvia Maglioni & Graeme Thomson invite you to join them in an all-night-long experiment in collective hypnagogic vision. This was programmed Friday 8th July 2016.

Opening of the Center for Language Unlearning

On the occasion of the opening of the Center for Language Unlearning, Silvia Maglioni and Graeme Thomson have invited Igor Casas (sign language interpreter) to perform and electro-conference. This moment got in ahead of the presentation of a selection of the artists' ongoing research, the launch of "the l'anguish channel" and follewed by a cocktail. This was programmed Friday 14th October 2016.

 Infra-events to come

Unlearling #2 :
Unlearning privilege - talking with the disappeared
Saturday 14th December 2016, at 4 p.m.

Artiste et cinéaste, Filipa César s'intéresse à la relation poreuse entre l'image mouvante et sa réception par le public, aux aspects fictifs du documentaire, ainsi qu'aux politiques et poétiques inhérentes à la production des images en mouvement. Depuis 2008, les films expérimentaux de Filipa César se concentrent sur le passé récent du Portugal, questionnant les mécanismes de production de l'histoire et proposant des espaces pour performer le savoir subjectif. Depuis 2011, elle consacre ses recherches sur l'histoire filmique de la Guinée-Bissau, développant le projet Luta ca caba inda. Elle participe au projet de recherche "Archive Visionnaire, 2013-2015", organisé par l'Institut Arsenal à Berlin.

Les Laboratoires d’Aubervilliers poursuivent les ateliers de lecture qui, tous les quinze jours, proposent de mener collectivement recherches et réflexions autour d’une problématique spécifique abordée depuis différentes disciplines (l’art, les sciences humaines, la politique). Ces ateliers participent à la construction du « Printemps des Laboratoires », programmation qui se décline tout au long de l’année via des workshops, tables rondes, projections jusqu’à l’avènement d’un moment public intense. Ce rendez-vous public, qui aura lieu en juin 2017, en constitue la mise en perspective finale à une échelle internationale. Cette programmation est articulée chaque année autour d’une notion spécifique ; cette année il s’agit de « Extra Sensory Perception ».

La quatrième édition du Printemps des Laboratoires a ouvert un champ très vaste que nous souhaitons continuer à explorer pour cette nouvelle saison. Sous l’intitulé « ESP (Extra Sensorial Perception) », nous proposons de poursuivre nos réflexions.

Il sera question de comment faire de la place dans nos vies à des voix multiples et contradictoires, à un “Je” non unique, centre de gravité narratif, à des entités non-humaines et autres mondes invisibles, de comment en être remplis sans être assaillis. On se demandera ce que peut être une mystique contemporaine et dans quelle histoire hallucinée, illuminée, visionnaire nous souhaitons nous situer aujourd’hui. On cherchera les méthodes de désindividualisation afin de partager ces visions et de les rendre collectives et habitables.

Atelier # 6

Pour ce sixième atelier de lecture et pour rebondir sur les discussions amorcées lors de l'atelier précédent autour des phénomènes lumineux,  Hugo Caillaud, jeune diplômé de l'Ensapc, nous propose de parler de L'éloge de l'ombre (陰翳礼讃), essai sur l'esthétique japonaise écrit par Jun'ichirō Tanizaki. Publié en 1933 au Japon, L'éloge de l'ombre a été traduit en français par le japonologue René Sieffert et publié en 1977 aux Publications orientalistes de France.

Ce texte porte sur le concept du beau dans la tradition Japonaise et plus précisément du contexte qui permet d'en saisir les aspects, à savoir l'équilibre entre la lumière et l'ombre. Junichirô Tanizaki y défend une esthétique de la pénombre en parallèle à l'esthétique occidentale où tout est éclairé. Il y compare divers usages de la lumière et de l'éclairage chez les Japonais et les Occidentaux.

« Nos ancêtres, qui poétisaient toute chose, avaient réussi paradoxa­lement à transmuer en un lieu d’ultime bon goût l’endroit qui, de toute la demeure, devait par destination être le plus sordide et, par une étroite association avec la nature, à l’estomper dans un réseau de délicates associations d’images».

Jun'ichirō Tanizaki est un écrivain japonais né le 24 juillet 1886 et mort le 30 juillet 1965 à Tokyo. Son œuvre révèle une sensibilité manifeste aux passions propres à la nature humaine et une grande curiosité des styles et des expressions littéraires.

This performed event, organised on the initiative of N/Z journal and hosted by Les Laboratoires d’Aubervilliers, will be an opportunity to share and give visibility to the many exchanges that have taken place over the years between artist Agnès Geoffray and curator Vanessa Desclaux.

Convulsion, hypnosis, fainting, levitation and syncope — these will be the leitmotivs of this evening event, which will involve literary exchanges, readings and accounts, and the sharing of images, etchings and photographs, to reveal the fantastical dimension of these states of suspension.
 

The evening will close with a piece by Agnès Geoffray, located at the crossroads between performance and photography, that will revisit these myriad positions somewhere between collapse and elevation.

With performers Mordjane Mira and Selwan Cherfi.

_________________________

“For a long time now, hanging, suspended bodies, halted gestures and frozen words have haunted both my photographic work and my writing. These figures just keep coming back. I play with these cessations and suspensions, situated somewhere between collapse and ascension. The fascinating thing about suspension is missing time. We know nothing about the time that precedes it and can barely make out the time that comes after — a suspended movement where everything is still possible. It is a time of resistance. This stretching-out of time, this frozen expectation is a resistance to the tragedy yet to come.

As my exchanges with Vanessa Desclaux developed, a gradual slippage from suspension to syncope ocurred. This break in reality, this floating of time, this cessation became an eclipse. A gentle decline or a brutal collapse in order to distance oneself from reality“.

A.G.

----------------

FREE ENTRANCE ON RESERVATION at
reservation@leslaboratoires.org or by phone 01 53 56 15 90

----------------

Mon corps n’obéit plus
De et par Yoann Thommerel

Yoann Thommerel éprouve depuis le plus jeune âge l’indocilité de son corps et, contrairement à ce que son entourage pouvait espérer, la maturité n’a rien arrangé. Aujourd’hui encore, son corps refuse obstinément de se plier à certaines consignes omniprésentes dans nos vies, et notamment à celle-ci : apprendre à rester à sa place et à ne pas dépasser les limites.
En se lançant dans l’écriture, l’auteur a cette fois-ci décidé d’être plus que jamais à l’écoute de ce corps. C'est avec lui qu'il a écrit et c'est ensemble qu'ils diront ces quelques poèmes du débordement.

La performance sera précédée d’une lecture en lien avec le Groupe d’information sur les Ghettos (g.i.g.).     

Conception : Yoann Thommerel / Sonia Chiambretto
Production : Groupe parallèle.
Avec le soutien de :
Montevidéo, Les Laboratoires d’Aubervilliers, Panta Théâtre.

Mon corps n’obéit plus est disponible à partir de janvier 2017 aux éditions Nous. (LIEN VERS LE SITE)
 

Alain Michard est chorégraphe et artiste visuel.

Il crée pour la scène et pour les lieux d’art contemporain. À partir de la danse, il mène parallèlement plusieurs projets artistiques, se saisissant tour à tour de différents médiums: musique, cinéma, photographie, texte. Il s’associe régulièrement à d’autres artistes pour des collaborations, des commandes, ou des invitations à des temps de recherche.

Il ouvre certains de ses projets à des amateurs et à des habitants des lieux où ils se développent (Virvoucher, À domicile, + si affinités, Autour de la table, Ecole ouverte,...).

Son travail est traversé par les thèmes de l'errance, de la construction d'une communauté, et compose des variations autour de certains motifs: la marche, l'accident, la boucle, l'accumulation...

Ses pièces mettent en scène des corps quotidiens, en équilibre entre une logique de l'absurde et une poétique de l'état de crise. Elles proposent des univers visuels élaborés, dans lesquels le corps est associé à l'objet pauvre, recyclé, dans une esthétique du bricolage affirmé. Le son et la musique y ont toujours une place déterminante, sous la forme de dramaturgie sonore.

Son rapport au cinéma et sa curiosité pour le jeune public l'ont conduit à créer Le beau mariage, qui célèbre les relations entre la danse et le cinéma. Son travail autour des relations de la danse avec limage se poursuit avec En danseuse, projet pour lequel il invite des chorégraphes à chercher dans leur propre corps une Histoire de la danse.

Parallèlement à la scène, Alain Michard crée des pièces pour l'espace public, basées sur la perception et sur l’imaginaire des villes et des paysages (Virvoucher, Promenades blanches, Se fondre, Caravane…).
Un axe important de son travail se construit autour des notions de document-vivant, d'Histoire collective de l'art, pour se présenter sous des formes arborescentes : J’ai tout donné, École ouverte, La carpe et le lapin…

Ses films vont du documentaire à la fiction, certains liés à la danse (Ascension, Carton, ON AIR, Clandestine, Journal d'En danseuse).
Le travail d'Alain Michard est présenté en France (Paris, Caen, Marseille, Brest, Rennes, ...) et à l'étranger (Montréal, Istanbul, Sao Paulo, Tokyo, Kyoto, Anvers,...)

www.alainmichard.org

CRÉATIONS DE SPECTACLE ET AUTRES

PIÈCES RÉCENTES
J’ai tout donné (2013 / TU-Nantes), Thi sis no taper for mance (2013 / avec Mustafa Kaplan / festival les Hivernales d'Avignon), Parkinson (2013 / festival Agitato à Rennes - Le Triangle festival Parcours tout court à Kerguéhennec), Promenades blanches en collaboration avec Mathias Poisson (2012 / Marseille - Scène nationale du Merlan, Marne-la-Vallée - Scène nationale La Ferme du Buisson, Tokyo - Institut Français, Yokohama - Triennale de Danse et 2013 / Istanbul - Institut Français, Versailles - festival Plastique Danse Flore)

POUR MÉMOIRE (sélection)
Pièces détachées (2007 / Grande Halle de La Villette), Fwoodmasca (2005 / Centre Pompidou), La Coalition (2004 / les Laboratoires d'Aubervilliers)

FILMS
En danseuse (2014-2015, vidéos / co-production CND et Cinémathèque de la danse), On air (2009, vidéo, 43' / avec Audrey Gaisan-Doncel et Pascale Paoli / co-production La Grande Halle La Villette et CNDC Angers), Ombre et Poële (2005, vidéos / études d’après la pièce chorégraphique Fwoodmasca avec Catherine Legrand), Encore chaud (2003, vidéo, 70’ / Documentaire sur le remontage de la pièce de Dominique Bagouet Jours étranges, à Dublin), Carton (2003, vidéo, 12’ / en collaboration avec Nicolas Floc’h / co-production du FRAC Nord-Pas-de-Calais), Ascension (2000, 16mm, 17’ / d’après AATT ENEN TIONON, chorégraphie de Boris Charmatz)

AUTRE PROJETS
École ouverte (2013-2014 / projet sur l'Histoire de l'art comme espace collectif de partage), Festival À domicile (2007-2009 / Guissény / conception et direction de résidences In situ sur le paysage, avec participation des habitants), Revue Louma (2005-2006 / sur les relations de la danse avec d'autres arts, avec notamment un focus sur les films d'Alain Cavalier  / avec le TNT- Bordeaux, le cinéma Utopia, et le Festival Novart)

ENSEIGNEMENT
Workshops dans les écoles d'art (Rennes, Nantes, Istanbul), d'architecture (Rennes, Tokyo, Kyoto), du paysage (Versailles), de danse (Angers, Istanbul)

PUBLICATIONS
J'ai tout donné (2012 / pour « S/M/L/XL », N°7 / co-production avec C.C.Colombier et la Biennale d’art contemporain de Rennes), Se rendre (2011 / édition Lieuxcommuns pour Au bout du plongeoir), Journal d’anticipation (2010 / réalisation de J. Cottencin pour les Ateliers de Rennes - Biennale d’art contemporain de Rennes), Carte blanche de promenade (2006 / avec Mathias Poisson / pour le TNT Bordeaux-Manufacture de chaussures, Festival Novart), Cartes postales de promenades Naples (2005 / avec Mathias Poisson / commande des Stalker / Musée PAN)

- à venir, en 2014: Promenades blanches / éditions Wildproject

Pour son projet En danseuse, le chorégraphe-cinéaste Alain Michard est accueilli en résidence aux Laboratoires d’Aubervilliers à compter de décembre 2016. Ce temps de résidence est composé de plusieurs moments qui construisent et articulent le projet entre la création, la recherche et les restitutions publiques.

En danseuse est un espace de collaboration artistique, qui réunit plusieurs chorégraphes et des artistes d'autres disciplines. Par ailleurs, des étudiants et des jeunes artistes sont invités à participer à des temps pédagogiques et d'expérimentation.

En danseuse part d'un postulat selon lequel le corps du chorégraphe est la source même de son œuvre, sa matrice. Par extension, ce corps porte en lui une Histoire de la danse singulière, composée de bribes, de souvenirs plus ou moins reconstitués, de récits, de mythes, d'images, d'expériences, certaines liées directement à la danse, d'autres issues du quotidien.

De ce postulat, émerge la question de trouver les moyens de révéler cette Histoire, en allant notamment la chercher dans les replis de la mémoire. A cet effet, Alain Michard crée des rencontres entre les artistes, les place face à sa caméra, afin de les pousser dans leurs retranchements, d'en faire un portrait "en danseuse", de saisir cette mémoire et, ce faisant, de questionner la part des images dans l'Histoire de la danse.

En danseuse, qui mêle danse et images-filmées, sera présenté au public sous deux formes : dans un premier temps sous différentes formes performatives puis, en fin de résidence, sous la forme d'une installation, réalisée en collaboration avec Nicolas Floc'h, rassemblant une "collection" de danses-filmées.

Les artistes qui accompagneront et participeront à ce projet à Aubervilliers sont Adva Zakai, DD Dorvilliers, Loïc Touzé, Lenio Kaklea, Martine Pisani, Filiz Sizanli ainsi que Marcelline Delbecq, Matthieu Bouvier et Alice Gautier.

En danseuse se dévloppe dans d'autres lieux avec d'autres artistes dont Benoît Lachambre, Mette Ingvarsten, Rémy Héritier, Jennifer Lacey, Mickaël Phelippeau, Julie Nioche, Emmanuelle Huynh, Laurent Pichaud, Deborah Hay.

En danseuse est en résidence des Laboratoires d’Aubervilliers à partir de décembre 2016.

Avec le soutien de : Production LOUMA / avec le soutien du CND, CDC Carolyn Carlson-Atelier de Paris, La Bellone-Bruxelles et la Région Bretagne avec CNC.

LOUMA est soutenue par le Ministère de la Communication et de la Culture-DRAC Bretagne, la Région Bretagne et la Ville de Rennes. Certains de ses projets sont soutenus par l'Institut Français et Spectacle Vivant en Bretagne. Projet mené en collaboration avec l'Université Paris-8.

Performance #1

Avec DD Dorvillier, Adva Zakai et Alain Michard,
assistés d’Alice Gautier

Du 9 au 14 janvier 2017, Alain Michard invite les chorégraphes DD Dorvillier et Adva Zakai à échanger sur leur pratique respective pour venir nourrir le projet vaste construit collectivement En danseuse.

Chacun proposera des dispositifs de mise en jeu de corps avec l’image, dans leur rapport à l’Histoire de la danse, et au-delà, à une histoire personnelle et collective du corps en mouvement.

Une grande partie de l’échange sera consacrée au partage de leur documentation et de leurs références.

Les trois artistes concluent ce temps par une ouverture publique lors de laquelle sont présentés les cheminements, les errances, les états de cette recherche sous la forme de danses, d'images, d'archives et d'échanges avec le public.

image: tous droits réservés

In collaboration with the Groupe d’information sur les ghettos (g.i.g.) and upon the invitation of Sonia Chiambretto and Yoann Thommerel, the EISPI team (International School of Inter-contemporary Poetry) will be coming to Les Laboratoires d’Aubervilliers to write, thrash out and bounce ideas about the “Questionnaire n°1”.

Literary wrestling involves boxing with words, using striking exclamation marks and smashing syntax.

Competing in improvisation matches written on computer, the sharp-minded, sharply costumed wrestlers wield the mask and the keyboard with humour and poetry.

Ce vendredi 9 décembre aux Laboratoires d'Aubervilliers, quatre catcheurs viendront combattre en public. À l’issue de 3 matchs (2 demi-finales et 1 finale), les spectateurs seront invités à voter à poing levé pour leur texte/catcheur préféré.

This coming Friday, 9 December, four wrestlers will be battling it out in public at Les Laboratoires d’Aubervilliers. At the end of the three matches (2 semi-finals and 1 final), spectators will be invited to vote with raised fists for their favourite text/wrestler.

Each match will be divided into 4 rounds: free-form writing for the first and constrained writing for the following three rounds; the constraints will be selected at random by the audience. The wrestlers’ texts will be written and simultaneously diffused on a big screen.

When the final bell rings, each wrestler will be invited to read aloud their opponent’s text. The winners of the first two matches will battle it out in the final to compete for the most coveted FFCL (French Federation of Literary Wrestling) belt

Umberto KO, Mohammed Alu, Sandy Georges, Nihilitzsche, Marguerite Tarace, Mother Faulkner…the number of FFCL members ready battle it out with words and woes just keeps growing. Each wrestler has their own literary and sartorial style. Behind the mask lies a figure of speech. They also boast special powers that can be used at any point in a match by shouting out “Zeugma” or “Chaismus”. A special power acts as an additional constraint for the opponent.

But an evening of literary wrestling would be nothing without the other usual suspects: a mustachioed referee acting as game master, a judge to make sure the constraints have been honored, and a technical team to control the sound and lighting.

Started in Peru around ten years ago, la Lucha Libro (“Free Fighting”) was brought to France by the EISPI (International School of Inter-contemporary Poetry). The EISPI has been organising literary wrestling events in France for over four years now. The school also offers writing game workshops, Blind Text evenings, and publishes a poetry fanzine, Cactus Calamité.

En collaboration avec le Groupe d'information sur les ghettos (g.i.g.) et sur l’invitation de Sonia Chiambretto et Yoann Thommerel, l’équipe de l’EISPI viendra écrire, bondir et rebondir sur le “Questionnaire n°1”, aux Laboratoires d'Aubervilliers.

En catch littéraire, on boxe avec les mots, à base de coups de points d’exclamation et de syntaxe qui fracasse. 

S’affrontant lors de matchs d’improvisation écrite sur ordinateur, les catcheurs aiguisés et déguisés manient le masque et le clavier avec humour et poésie.

Ce vendredi 9 décembre aux Laboratoires d'Aubervilliers, quatre catcheurs viendront combattre en public. À l’issue de 3 matchs (2 demi-finales et 1 finale), les spectateurs seront invités à voter à poing levé pour leur texte/catcheur préféré.

Chaque match est découpé en 4 manches : une première d’écriture libre et trois autres sous contraintes, tirées au sort par le public. Les textes des catcheurs sont écrits et retransmis simultanément sur écran géant afin de pouvoir être lus en direct.

Au gong final, chaque catcheur est invité à lire à voix haute le texte de son adversaire. Les vainqueurs des deux premiers matchs se retrouveront en finale pour décrocher la très convoitée ceinture de la FFCL, la Fédération Française de Catch Littéraire.

Umberto KO, Mohammed Alu, Sandy Georges, Nihilitzsche, Marguerite Tarace, Mother Faulkner… Ils sont de plus en plus nombreux à rejoindre les rangs de la FFCL, prêts à en découdre avec les mots et les maux. Chaque catcheur a son style vestimentaire et littéraire bien à lui. Derrière son masque, sa figure de style. Il est également doté de supers pouvoirs qu’il peut convoquer à chaque instant lors du match en criant “Zeugme” ou “Chiasme”. Un super pouvoir est une contrainte supplémentaire imposée à son adversaire.

Enfin, une soirée de catch littéraire ne serait rien sans ses autres protagonistes : un arbitre moustachu faisant office de maître du jeu, un juge de ligne veillant au bon respect des contraintes et une équipe technique aux manettes de l’ambiance son et lumière.

Née au Pérou il y a une dizaine d’années, la Lucha Libro (“Lutte Livre”) est importée en France par l’EISPI, l’École Internationale Supérieure de Poésie Intercontemporaine. L’EISPI organise des soirées catch dans l’hexagone depuis plus de quatre ans. Elle propose également des ateliers jeux d’écriture, des soirées Blind Text et édite Cactus Calamité, un fanzine de poésie.

A l'occasion du déploiement du second numéro de la revue N/Z sur l'année 2016/2017, Les Laboratoires d'Aubervilliers sont heureux d'accueillir à nouveau la revue et deux chefs de rubrique pour deux soirées de rencontres publiques.

La revue N/Z s’intéresse à l’écriture, comme pratique de travail, en amont de sa formalisation définitive. Elle observe les processus de création des auteurs et des artistes à travers l’écriture.

Laboratoire de création, elle organise des rencontres publiques sous forme de rubriques une fois par mois, anime un site internet sur la durée de son édition et publie un volume papier à l’issue de l’édition. Chaque édition dure 10 mois. Chaque rubrique est dirigée par un auteur ou un artiste.

Ces chefs de rubrique, qui changent à chaque numéro, invitent à leur tour des intervenants et renouvellent les formes de la rencontre en public. Elle a pour but de toucher un public large, de sensibiliser, de faire découvrir les écritures artistiques contemporaines. Ses activités se déroulent dans divers lieux parisiens et franciliens.

 
Aux Laboratoires d'Aubervilliers en 2016 ce seront

Alban Lefranc pour une première soirée publique
intitulée Etat d'Urgence, Jouissance d'Etat
le vendredi 23 septembre 2016 à 20h

et

Agnès Geoffray pour une seconde soirée
intitulée Suspens & Syncope
le vendredi 27 janvier 2017 à 20h30

Revue N/Z #2

La revue N/Z reçoit le soutien du Goethe Institut

Laurent Pichaud est né en 1971, vit et travaille à Nîmes.

Il se forme à la danse contemporaine dans les années 1990. Dans ces mêmes années il suit des études en histoire de l'art. Il s'intéresse plus particulièrement au land art anglais tout en finalisant un DEA sur «La mémoire de la Shoah à travers l’art contemporain».

Parallèlement, il débute son parcours d'interprète et chorégraphe dans les années 1990 alors que la danse contemporaine est traversée par une remise en cause du spectacle et de ses codes. Il participe pleinement de ces réflexions et expérimentations tout en poursuivant son cursus universitaire en histoire de l'art. Depuis il n'a jamais cessé de mener avec un même intérêt une double activité de chorégraphe et d'interprète.

En tant que chorégraphe, il privilégie les recherches sous le mode des 'consignes' et 'contraintes', toujours en immédiate relation avec le réel environnant de l'interprète. Ce souci du lieu de présentation est devenu peu à peu une constante centrale dans sa démarche — chaque projet est associé à un contexte spécifique, un lieu en lui-même pouvant suffire à définir le sujet d'une pièce. Qu'il s'agisse de lieux de vie 'réelle' ou d'espaces singuliers aménagés, voire d'un théâtre, c'est toujours la globalité de l'espace visuel qui participe de l'écriture. Et le plus souvent on ne saurait en isoler la seule part chorégraphique.
Au-delà des caractéristiques physiques des lieux, ses derniers projets et recherches privilégient les questionnements sur l’inscription d’un geste chorégraphique dans des champs non spécifiquement artistiques ou théâtraux : pratiques in situ, pièces à dimension territoriale auprès d’habitants. Ou encore son compagnonnage auprès de Deborah Hay, pour lequel il est tour à tour interprète, co-chorégraphe, assistant et traducteur (sa traduction de My body, the buddhist (en collaboration avec Lucie Perineau) sortira à La Manufacture de Lausanne au printemps 2017), qui lui permet d’interroger la place du littéraire comme espace de documentation et de transmission du geste dansé.

Il est à ce jour l'auteur de plus d'une quinzaine de pièces, dont parmi les plus récentes : mon nom des habitants 2014 • 2018 (en partenariat avec le CDC Uzès danse) ; Jeux Chorégraphiques avec R. Héritier (Festival Uzès danse, 2013), de terrain et l’usage du monde le dehors (Festival far°, Nyon, 2016). A ces pièces se rattache de plus une série d'écritures pour musées.

Interprète dans ses propres pièces, il demeure attaché à son parcours auprès d'autres chorégraphes. Il a travaillé de façon privilégiée avec Martine Pisani depuis 2000, puis Boris Charmatz, Olivia Grandville, Anne Collod.

Enfin ses workshops - qu'ils s'adressent à des danseurs, à des étudiants en art ou à des amateurs - occupent une place importante dans l'évolution de son rapport à la création artistique. Il est actuellement Professeur associé au département danse de l’Université Paris 8, et artiste chercheur associé au Master exerce, spécialité études chorégraphiques - "recherche et représentation" - Université Paul Valéry Montpellier III / ICI-CCN de Montpellier.

La recherche tient également une place conséquente.
En 2010, il est Lauréat d’une Résidence Villa Medicis Hors les murs à New-York, Institut Français et, en 2015, il obtient une Bourse d’Aide à l’écriture et au Patrimoine en danse, Centre National de la Danse (Pantin), pour "Traduire Deborah Hay".

Publications (récentes) :

2013, « Faire avec l’espace ou faire jouer le « tournant spatial » en art avec Anne Volvey, Julie Perrin », Les cahiers de Skéné, n°4, ESBAMA, Montpellier

2014, « faire néant pour potentialiser des appuis avec Myrto Katsiki », Repères – Cahier de danse, n°33, avril 2014, dossier « Appuis »

2014, « À l’œuvre avec Julie Gouju », Revue Chercheurs en danse, n°2, dossier « Savoirs et métier : l’interprète en danse »

2016, « Journal de recherche », in Gestes en éclats – Art, danse et performance, dir. Aurore Desprès, Les Presses du Réel.

2017, Mon corps, ce bouddhiste, Deborah Hay, traduction augmentée de Lucie Perineau et Laurent Pichaud, coll. Nouvelles scènes / La Manufacture, les Presses du Réel, printemps 2017.

Performer la recherche : cinq séances sur Deborah Hay

Après en avoir été l’interprète, Laurent Pichaud est depuis 2008 l’assistant de la chorégraphe américaine Deborah Hay. Co-chorégraphe avec elle d’indivisibilités en 2011, il traduit l’un de ses livres et il voyage dans ses archives privées en 2015. Fruit d’une recherche sur plusieurs années autour de son œuvre, ce séminaire performé de 5 séances est une forme hybride entre format universitaire et performance située. Ces séances restitueront sur scène différentes questions chorégraphiques qu’une telle recherche stimule : récit d’expérience dans les archives, qu’est-ce qu’un écrit de chorégraphe ?, traduire en danseur, faire de l’in situ dans l’œuvre d’un autre, et feront signe de ce que l’expérimentation artistique fait de et à une méthodologie de recherche habituellement théorique.

Comment s’invente une recherche ?

Depuis 2005, Laurent Pichaud vit un compagnonnage artistique, personnel et professionnel, auprès de la chorégraphe américaine Deborah Hay. Ancré à même la pratique, cette relation s’est développée au fil du temps sur plusieurs axes.

Pratique chorégraphique d’abord : parallèlement à la pièce de groupe O,O, pour laquelle il était l’un des interprètes français en 2005, Laurent Pichaud a signé, comme tous les autres interprètes, une adaptation d’un solo de Deborah Hay.

Pratique de l’assistanat : suite à O,O, Debborah Hay propose à Laurent Pichaud d’être son assistant sur certaines pièces de groupe. Ce partenariat est toujours en cours en 2017.

Pratique de co-création : Debborah Hay et Laurent Pichaud créent et interprètent ensemble un duo : indivisibilités, en 2011.

Pratique de traduction aussi, et peut-être surtout : devant la difficulté à bien cerner tous les enjeux de son processus et en particulier celui de son langage parlé et écrit, Laurent Pichaud se lance en 2009 dans la traduction de My body the buddhist (2000), livre le plus récent de la chorégraphe à l’époque. Ce travail de traduction, devenu récemment un projet éditorial avec la traductrice Lucie Perineau (Mon corps, ce bouddhiste sera publié en mai 2017 à la Manufacture / Les Presses du Réel) ouvrait d’autres difficultés – mêlant différents registres d’écritures, ce livre donne une part importante aux partitions textuelles de Deborah Hay. Devant le défi de traduire ces partitions au langage si littérairement étrange, Laurent Pichaud postule en 2015 à une bourse d’Aide à la recherche et au patrimoine en danse du CND afin de partir aux États-Unis dans les archives privées de la chorégraphe.

Cette dernière pratique, celle des archives, lui permettra de découvrir comment D. Hay a décidé d’utiliser un langage, oral et écrit, à l’intérieur même de son processus chorégraphique, et de suivre comment un tel langage s’est conçu et a évolué au fil du temps depuis le début des années 1960.

Lancer une recherche sur Deborah Hay n’était donc pas un projet premier. Mais il est intéressant de noter comment, au fil du temps, le travailler par s’est petit à petit couplé à un travailler sur Deborah Hay.

Dix ans après leur première rencontre, ce séminaire performé tente donc de proposer un format spectaculaire qui respecte à la fois le résultat de ces différentes expériences pratiques menées auprès de la chorégraphe ou sur son œuvre, mais aussi qui respecte un état de recherche spécifique : Laurent Pichaud, à l’intérieur de cette recherche, maintient une position d’artiste travaillant sur l’œuvre d’une autre artiste.

Les 5 séances proposées aux Laboratoires d’Aubervilliers vont ainsi tenter de donner à voir et à entendre ce qu’une telle spécificité d’artiste chercheur permet à un champ de recherche habituellement théorique. Forme hybride entre format universitaire et performance située, ces 5 séances restitueront en scène différentes questions qu'une telle recherche a stimulé :

• questions méthodologiques : comment un danseur fait un travail dans des archives sans méthodologie particulière ? comment mettre en scène des récits d’expériences, des points de vue différenciés, des extraits dansés ?

• question d’écritures : que serait la spécificité d’un écrit fait par une chorégraphe ? que serait la spécificité d’une traduction faite par un danseur ? En quoi l’interprétation en scène informe un travail de traduction ?

• question chorégraphique : que serait, pour Laurent Pichaud, de faire de l'in situ dans l'œuvre d'une autre artiste, lui qui travaille habituellement hors plateau dans des espaces publics ?

• question scénique enfin : chaque séance s’appuiera sur une forme d’adresse au spectateur spécifique. Frontalité théâtrale, in situ dans les espaces des Laboratoires d’Aubervilliers, espaces co-partagés, disposition en cercle, projections… seront en effet autant d’outils pour restituer au mieux la diversité des points de vue et des expériences menées depuis 10 ans.

Ces 5 séances performées en public sont partie prenante du cours que Laurent Pichaud donne aux étudiants en Master 1 et 2 du Département danse de l’Université Paris 8 de Saint-Denis au printemps 2017 et qui s’intitule : Performer la recherche.

Elles sont programmées aux Laboratoires d'Aubervilliers les

Mercredi 22 février 2017, de 13h à 14h30
Puis les mercredis 1er , 8, 15 et 22 mars 2017, de 13h à 14h30

Née en Israël, basée en Europe. Depuis plusieurs années, Adva Zakai explore différents formats de performance, en tant que chorégraphe, performeuse, ou curatrice. Son travail chorégraphique s'attache à explorer la façon dont le corps et le langage sont perçus l'un à travers l'autre, et évoque une expérience qui peut être appréhendée à travers une pluralité de perspectives. En 2010, elle reçoit une bourse de recherche pour poursuivre, dans le cadre d'un programme de post-master à Anvers, une recherche sur les influences de l’approche curatoriale sur le développement de nouveaux formats de performance.Elle a suivi une formation de danse en Israël, poursuivi ses études à l’école de Mime d’Amsterdam (2000 - 2002). Ces dernières années, elle a participé à la programmation de festivals, d'évènements participatifs et de conférences, de workshops en écoles d’art et de danse. En 2013-2014, elle est accueillie en résidence aux Laboratoires d'Aubervilliers.

Born in Israel, living in Europe. During the past years Adva Zakai has been exploring various performance formats where she has acted as a choreographer, a performer or a curator. Her choreographic works explore often how body and language are perceived through each other, and evoke an experience that can be grasped through multiple perspectives. During 2010, she obtained an artistic research grant, in the framework of the post master program a.pass in Antwerp, in which she researched the influence of a curatorial approach on the development of new performance formats. She pursued dance education in Israel followed by studies at the Mime School, Amsterdam (2000-2002). In recent years, she has been collaborating with other artists on developing participative events, conferences and festivals, as well as leading workshops in art and dance academies. She is currently artist in residence at les Laboratoires d’Aubervilliers (Aubervilliers, France).

From December 2016 choreographer and filmmaker Alain Michard will be in residency at Les Laboratoires d’Aubervilliers in order to pursue his project En danseuse. The residency will be organised into different phases that build and articulate this project combining creation, research and public presentations.

En danseuse is a space for artistic collaboration that brings together several choreographers and artists from other disciplines. In parallel, students and young artists will be invited to participate in educational and experimental sessions.

En danseuse is grounded in the following premise: the choreographer’s body is the very root of his or her work — its matrix. By extension, this body carries within it a singular History of of dance, made up of snippets, of more or less reconstructed memories, narratives, myths images, experiences, some of which are directly linked to dance, while others are drawn from everyday life.

This premise gives rise to the question of finding the means of revealing this History, namely by seeking it out in the deepest recesses of memory. To this end, Alain Michard brings various artists together, making them face his camera, cornering them, to portray them “dancing on the pedals” (en danseuse), to capture this memory and, in this way, to interrogate the role of images in dance History.

En danseuse, intertwining dance and filmed images, will be presented to the public in two different formats: the first presentation will involve different performative forms followed, at the close of the residency, by an installation made in collaboration with Nicolas Floc’h, that will present a ‘collection’ of filmed dances.

This residency project at Les Laboratoires d’Aubervilliers will enjoy the support and participation of artists Adva Zakai, DD Dorvilliers, Loïc Touzé, Lenio Kaklea, Martine Pisani, Filiz Sizanli, Marcelline Delbecq, Matthieu Bouvier and Alice Gautier.

The En danseuse project will also be pursued in other sites with other artists, including Benoît Lachambre, Mette Ingvarsten, Rémy Héritier, Jennifer Lacey, Mickaël Phelippeau, Julie Nioche, Emmanuelle Huynh, Laurent Pichaud and Deborah Hay.

En danseuse is in residency at Les Laboratoires d’Aubervilliers from December 2016.

Production LOUMA
With the support of the CND, CDC Carolyn Carlson-Atelier de Paris, La Bellone-Bruxelles and Région Bretagne with CNC.

LOUMA is supported by Ministère de la Communication et de la Culture-DRAC Bretagne, Région Bretagne et Ville de Rennes. Some of ist projects are supported by the Institut Français and Spectacle Vivant en Bretagne. Project lead in collaboration with the Université Paris-8.

DD Dorvillier est une danseuse et chorégraphe née à Puerto Rico en 1967.

Fondée sur des questions concernant les relations complexes entre l'abstraction, la corporalité, le langage, la perception, le sens, la pratique de DD Dorvillier est à la fois conceptuelle et physique. Ces poursuites formelles génèrent souvent des propos chargés de sens, des sensations inattendues, de l'humour, de nouvelles questions. Après ces études à Bennington College aux Etats-Unis elle s'installe à New York en 1989. Elle vit et travail à la Matzoh Factory un studio reconnu de recherche et d’expérimentation à Brooklyn, crée avec la chorégraphe Jennifer Monson en 1991. À New York elle collabore avec de nombreux artistes comme Zeena Parkins, Jennifer Lacey, et Sarah Michelson. Elle est primée à plusieurs reprises et notamment pour Dressed for Floating (2002) pièce lauréate d'un Bessie Award, DD Dorvillier reçoit également le Foundation for Contemporary Arts Award (2007) le Guggenheim Award (2011), et le Doris Duke Performing Arts Award (2013).

Elle s’installe en France en 2010 où elle continue d’élaborer sa pratique artistique à l’international avec sa compagnie human future dance corps. Son travail est présenté dans des endroits tels que The Kitchen, Danspace Project, PS122, Impulstanz, STUK, Kaaitheater, DeSingel, Künstlerhaus Mousonturm, Hebbel Am Ufer, les Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis, L'Atelier de Paris/Carolyn Carlson, entre autres.

Sa dernière pièce, actuellement en tournée, est Extra Shapes (2015). Il s'agit d'une collaboration avec le compositeur Sébastien Roux et le créateur lumière Thomas Dunn, elle sera presentée à Paris au Centre Georges Pompidou en février 2017.

DD Dorvillier is a dancer and choreographer born in Puerto Rico in 1967.

Rooted in questions about the relationships between abstraction, physicality, language, perception, meaning, Dorvillier's approach is both conceptual and physical. Her formal pursuits often lead to results charged with unexpected sensibilities, humor, and new questions. After her studies at Bennington College, she moved to New York City in 1989. For a dozen years she lived and worked at The Matzoh Factory in Brooklyn, a loft she transformed with fellow choreographer Jennifer Monson, where they developed their works, and supported the works of others, through cheap rehearsal space and public events. She's received many awards notably a Bessie for her work Dressed for Floating (2002), the Doris Duke Performing Artist Award (2013), The Guggenheim Fellowship (2011), and The Foundation for Contemporary Arts Award (2007).

In 2010 she moved to France. Her work has been shown at venues such as The Kitchen, Danspace Project, PS122, Impulstanz, STUK, Kaaitheater, DeSingel, Künstlerhaus Mousonturm, Hebbel Am Ufer, les Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis, L'Atelier de Paris/Carolyn Carlson, among many others.

Her most recent work now on tour is Extra Shapes (2015), a collaboration with composer Sébastien Roux and lighting designer Thomas Dunn. It will be presented this february in Paris at the Centre Pompidou.

DD Dorvillier is a dancer and choreographer born in Puerto Rico in 1967.
Rooted in questions about the relationships between abstraction, physicality, language, perception, meaning, Dorvillier's approach is both conceptual and physical. Her formal pursuits often lead to results charged with unexpected sensibilities, humor, and new questions. After her studies at Bennington College, she moved to New York City in 1989. For a dozen years she lived and worked at The Matzoh Factory in Brooklyn, a loft she transformed with fellow choreographer Jennifer Monson, where they developed their works, and supported the works of others, through cheap rehearsal space and public events. She's received many awards notably a Bessie for her work Dressed for Floating (2002), the Doris Duke Performing Artist Award (2013), The Guggenheim Fellowship (2011), and The Foundation for Contemporary Arts Award (2007).
In 2010 she moved to France. Her work has been shown at venues such as The Kitchen, Danspace Project, PS122, Impulstanz, STUK, Kaaitheater, DeSingel, Künstlerhaus Mousonturm, Hebbel Am Ufer, les Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis, L'Atelier de Paris/Carolyn Carlson, among many others. Her most recent work now on tour is Extra Shapes (2015), a collaboration with composer Sébastien Roux and lighting designer Thomas Dunn. It will be presented this february in Paris at the Centre Pompidou.

Alice Gautier graduated from the EESAB (DNSEP) Rennes in 2013, and has been pursuing her visual art practice through videographic and performative fictions. Since 2012 she has also worked in collaboration with other artists such as Alain Michard, Loïc Touzé and Daphné Achermann on scenic and cinematographic projects.
Her work experiments with different forms of narration, often located outside of language. Through the writing of movement, and working on a gestural vocabulary specific to each project, she stages characters that experience an interaction, either alone or in a group. Through gesture and everyday situations that she twists and shifts, she explores the body’s relationship to enunciation and transmission. By combining the tools of cinematographic language with those of choreography and video art — three arts of time and movement — she creates a hybrid space fuelled by the histories of these different mediums. Through a process of resistance or appropriation, she calls forth a filmic imaginary in her fictions, that does not appeal to our nostalgia but rather to a living, creative memory. She sometimes grounds her work in an existing film, in remake mode, and sometimes she interrogates our collective, surviving cinematographic memory by transposing film images into the field of performance.

Born in Israel, living in Europe. During the past years Adva Zakai has been exploring various performance formats where she has acted as a choreographer, a performer or a curator. Her choreographic works explore often how body and language are perceived through each other, and evoke an experience that can be grasped through multiple perspectives. During 2010, she obtained an artistic research grant, in the framework of the post master program a.pass in Antwerp, in which she researched the influence of a curatorial approach on the development of new performance formats. She pursued dance education in Israel followed by studies at the Mime School, Amsterdam (2000-2002). In recent years, she has been collaborating with other artists on developing participative events, conferences and festivals, as well as leading workshops in art and dance academies. She is currently artist in residence at les Laboratoires d’Aubervilliers (Aubervilliers, France)