Les Laboratoires d’Aubervilliers, en partenariat avec pointligneplan, invitent Erik Bullot à programmer un cycle de rencontres et de débats publics autour d’un tournant remarquable que l’on peut observer aujourd’hui, celui du « film performatif », pratique à la croisée de ces deux pratiques. Film où l’artiste/cinéaste substitue la performance à l’image, l’énoncé au film, exposant le processus de construction plutôt que son résultat - le faisant advenir au moment où il le raconte, répondant au critère de la signification linguistique de « l’énoncé performatif ».


Edgar Bergen et Charlie McCarthy

Peut-on faire un film avec des mots ? On observe actuellement dans le champ du cinéma expérimental et de l’art contemporain de nombreuses pratiques filmiques qui tentent de remplacer le film par son simple énoncé sous la forme de conférences illustrées, de lectures ou de performances. Des fragments d’un film à venir (photographies, documents, fragments de scénario) sont présentés en guise du film lui-même. On ne peut qu’être frappé par ce tournant performatif. Précisons tout de suite que le terme performatif emporte avec lui deux significations : l’une, proprement linguistique, selon les critères proposés par Austin, relative aux verbes performatifs qui réalisent une action par le fait de leur énonciation, à l’instar des verbes baptiser ou promettre, la seconde relevant du champ plus général de la performance artistique. On assiste aujourd’hui chez certains artistes ou cinéastes à une pratique performative du cinéma à la jointure de ces deux significations. Il est d’ailleurs difficile de totalement séparer ces deux significations : la performance, au sens artistique, emporte souvent une dimension performative, au sens linguistique.

Exposer le film à la manière d’une proposition ou d’un énoncé relève-t-il du performatif ? Exposer est-il un verbe performatif ? Déplacé de la salle au musée, dissocié de son dispositif originel, soumis à de nouvelles configurations techniques, le film doit-il être désormais performé pour advenir ? Qu’en est-il de ce tournant performatif du cinéma ? Participe-t-il du seul courant linguistique ? Rencontre-t-il un déplacement du cinéma lui-même vers le spectacle vivant ? On peut en effet observer à travers ces différentes actions le retour du bonimenteur du cinéma des premiers temps qui commentait et racontait le film pendant la projection, le rappel des instructions données au projectionniste ou la simple continuité de certaines propositions du cinéma élargi (expanded cinema) pour échapper au cadre strict de la séance. Le recours fréquent au terme performatif devenu désormais un adjectif régulièrement associé à la conférence dans le champ de l’art contemporain est assez symptomatique. Pourquoi rencontre-t-il un tel succès ?

Tels sont quelques-uns des enjeux de ce programme de rencontres et d’événements, invitant des artistes, des cinéastes et des théoriciens en vue de cartographier ces nouvelles pratiques.

Le film et son double. Du film performatif.
Un cycle de cinq séances doubles constituées d'une performance proprement dite, sur un registre artistique, confiée à un artiste, et une conférence, plus discursive, sur les enjeux du film performatif ou du performatif en général, aura lieu aux Laboratoires d’Aubervilliers d’avril à décembre 2015.

14 avril, Érik Bullot / Silvia Maglioni et Graeme Thomson
19 mai, Uriel Orlow / Franck Leibovici
13 octobre, Alexis Guillier / Thomas Clerc
17 novembre, Clara Schulmann / Simon Ripoll-Hurier
1er décembre, Rabih Mroué / Stephen Wright

LE FILM ET SON DOUBLE. Du projectionniste.
Dans le prolongement de ce programme, une journée de rencontres et de performances, organisée au MACVAL, réunit théoriciens, cinéastes et artistes pour questionner la figure du projectionniste. Sont invités Roland Sabatier, Peter Miller, Peter Szendy et Esperanza Collado.

vendredi 20 novembre, de 11h à 18h
(reservation@macval.fr / www.macval.fr)

 

L’ensemble de ces rencontres et performances donnera lieu à une publication, sous la forme d’un catalogue ou d’un numéro de revue.

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En partenariat avec pointligneplan et en collaboration avec le MAC VAL.

The book Walk, Hands, Eyes (a city), attempts to describe the geography constructed by the perceptual experience of Myriam Lefkowitz’s eponymous walk project. The fragmentary book is a montage of conversations conducted with those who took part in the experiment and the guides who worked on the project during its eight-year long activation, as well as exclusive texts by contributors invited by the artist, offering a range of new theoretical, scientific and poetical explorations. The book is not only an archive but also a tool for transmission and a space for observing and analysing the forms of knowledge that emerged from the practice.

With the participation of Myriam Lefkowitz, Esther Salmona, Sophie Houdart, Yaël Kreplak, Clément Morier, Valentina Desideri, Valérie Pihet and Mathilde Villeneuve.

Co-published by Les Laboratoires d’Aubervilliers and Beaux-Arts de Paris, Walk, Hands, Eyes (a city) will be published in October 2015 with a launch event scheduled on Sunday, 25th October.

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Postface
Mathilde Villeneuve

               

Presque rien, et pourtant : pas rien. Un quelque chose, et cependant : seulement un tissu formé d’espaces creux et de parois très subtiles.
Peter Sloterdijk, Écumes, Sphères III, pluriel, 2013, p 23

Je ne compte plus les personnes que je rencontre témoignant, en bordure du langage, de l’émotion ressentie pendant la balade conçue par Myriam Lefkowitz. Qu’ils ont eu la sensation de perdre pied mais jamais véritablement, de tomber amoureux de leur guide sans l’être vraiment, de voir les yeux fermés, d’être tenu sans à peine être touché, d’entendre de nouveaux bruits du monde…

Je me rappelle de ma balade à la biennale de Venise en 2013. Puis de ma soif, intarissable, de raconter ce que je venais de vivre. S’en est suivie l’envie d’offrir à d’autres la possibilité d’en faire l’expérience et l’invitation faite à l’artiste de s’installer quelque temps aux Laboratoires d’Aubervilliers. Elle y restera deux années, pendant lesquelles elle mènera, accompagnée des guides avec lesquels elle collabore, plusieurs sessions de Walk, Hands, Eyes (Aubervilliers). Elle concevra également un nouveau dispositif, pensé tel son équivalent inversé : immobile cette fois, dans un espace circonscrit et plongé dans le noir. Elle initiera enfin une première série de rencontres à la piscine de Pantin, conviant d’autres artistes à entremêler leur pratique de soin et de perturbations des sens, pour les donner à expérimenter au public lors de parcours en solitaire.

« Embarqué », c’est le mot qui convient pour décrire le sentiment que procure les plongées sensitives et mentales proposées Myriam Lefkowitz, qui a su aménagé un espace singulier entre les arts visuels, la performance, la danse et les pratiques thérapeutiques. La qualité de sa présence, qu’elle ne cesse d’affuter, rejoint celle de la chorégraphe américaine Lisa Nelson, qui venait exceptionnellement aux Laboratoires donner un workshop aux étudiants de l’école des arts politiques de Paris où Myriam a enseigné et une représentation publique le soir. Entre ces deux femmes qu’une génération sépare, une semblable délicatesse du mouvement et de puissance du regard, comme dilaté à force d’observer le monde avec attention.
C’est cette attention à l’autre et à ce qui nous environne qui inscrit ce livre dans le prolongement de la volonté de partage et de transmission de l’artiste. L’écriture a opéré un montage des conversations accumulées pendant des années auprès d’une communauté dispersée de spectateurs. Il creuse un sillon dans les nombreuses traversées individuelles de la balade et tend à rendre la pratique à son caractère éminemment collectif. Il donne à lire et à penser les espaces de respiration, la pénétration des couches atmosphériques, les phénomènes de dilatation et de rétraction, les formes de co-isolation, l’espace commun et le comment toucher, les possibles renouvellements des rapports entre langage, expérience et signification. Ce livre est né du désir de produire et de donner à lire une pensée au plus proche de l’expérience sensible générée par la pratique de Myriam Lefkowitz.

Myriam Lefkowitz reaches the end of its second year of residency during which she conducted a research on the emergence of new schemes of attention generated by the experience of immersive devices, designed for a spectator and performer.

The project Walks, Hands, Eyes (a city), developed since 2008, is also an experience for one viewer and a guide. During a silent walk of about an hour in the city it forges a special relationship between walking, seeing and touching. From the many walks engaged in several cities of the world (New York, Vilnius, Venice, Brno, Buenos Aires ...) an unprecedented form of existence of the city has emerged, beyond its usual functionality and customs.

How can one be sure in such darkness is a project developed at Les Laboratoires d'Aubervilliers. It is also for one spectator, this time based on the experience of a motionless body immersed in the dark, moved by manipulation and by the sound space created with and around him by a performer. Based on a principle of scarcity of sensory stimulation, this device emphasizes the fiction of the body and the space that takes shape from almost nothing.

While these two years have allowed her to develop and regularly activate the two devices described above, Myriam Lefkowitz concludes her residency with two important public forms.

On the one hand, the publication of Walk, Hands, Eyes (a city), co-edited by Les Laboratoires d'Aubervilliers and the Beaux-Arts de Paris. Via the texts of the artist and her guests, the book describes the geography, the issues and the nature that the perceptual experience of the walk, reconstructs. Indeed, interested in the considerable panel of images and accounts / stories produced by the experience of her blind circulation device in the city, Myriam Lefkowitz sewed with all the subtlety that characterizes her practice, a text from the collected testimonies of spectators and invited some to make updates on specific problematic.
With the contributions of Myriam Lefkowitz, Esther Salmona, Sophie Houdart, Yaël Kreplak, Clément Morier, Valentina Desideri, Valérie Pihet et Mathilde Villeneuve.

Moreover, the public opening of La Piscine, project matured during the two years of her residency, set and active practices in common to address a single viewer and infiltrate during six days in the Leclerc pool activities in Pantin. La Piscine can be seen as an important step in the research of Myriam Lefkowitz, concerning the opening to new schemes of attention but also in her desire to co-construct this work in relation with artists who share her concerns and questions.
With Myriam Lefkowitz, Valentina Desideri, Jean-Philippe Derail, Ben Evans, Alkis Hadjiandreou, Julie Laporte et Géraldine Longueville Geffriaud.








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Unrealized project bathhouse at the corner of Victor Hugo and Florian street in Pantin. 1890   © archives municipales de Pantin

With the support of Est Ensemble, the FNAGP
and the Département de la Seine-Saint-Denis

Jean-Philippe Derailest monteur audiovisuel, artiste chorégraphique/performeur et vidéaste, il vit et travaille à Paris.
Avec une formation passant de la danse au théâtre et des études cinématographiques à l’Université Lyon II, il vient au montage audiovisuel après une expérience de 20 ans de la mise en scène, la chorégraphie, la réalisation de films chorégraphiques et/ou expérimentaux et du travail d'interprète. De 1993 à 2001, comédien permanent du Groupe Kraft, il réalise ses premières créations marquées par le travail de la photographe américaine Diane Arbus. De 2001 à 2013, il développe un travail à la croisée des univers artistiques à travers la création de formes hybrides (Do It Yourself, pièce performative sur l'origine du mouvement punk - 2008). La relation danse/cinéma est présente dans son travail : comment lier étroitement l’écriture chorégraphique au cadre d’une caméra et au point de vue qu’elle impose (Triptyque - 2005 ; Slapsticks, série de 11 courts métrages chorégraphiques - 2007/2008) - comment créer du chorégraphique avec les outils du cinéma (Road Movie, un film itinéraire en 7 étapes - 2011/2013) - comment filmer l’énergie et le mouvement ? Danseur interprète dans diverses compagnies (Anne Lopez/Les gens du quai …), il intègre en 2010 un module d'Ex.e.r.ce au CCN de Montpellier sur la création de la Revue Musicale Puttin' On a Show de Mark Tompkins. En 2012, il rejoint Myriam Lefkowitz autour du projet Walk, Hands, Eyes (a city). En 2013, et après une reprise d'études au Département Danse de l'Université Paris 8, il intègre la formation longue "Monteur, un Métier"à l'INA. Il axe alors son travail d'écriture et de composition sur le montage audiovisuel. Il travaille ainsi sur plusieurs projets de documentaires, de films de fiction et de teasers pour le spectacle vivant. En 2006, il a créé la structure POST, qui accueille chacun de ses projets.
www.jeanphilippederail.net

Valentina Desideri est une artiste basée à Amsterdam, particulièrement attachée à la production de ses conditions de vie et des manières d'approcher le savoir et l'action.
Formée à la danse contemporaine au Laban Center de Londres (2002-2006), elle prend par la suite part au Master en art visuel de l'institut Sandberg à Amsterdam (2011-2013). Valentina Desideri développe des dispositifs artificiels de thérapies qu'elle nomme « Fake Therapy » et « Poetical Therapy ». Par ailleurs, elle co-organise le Performing Art Forum, elle collabore avec le professeur Stefano Harney dans une pratique d'écriture spéculative, elle écrit des biographies à travers la lecture des lignes de la main, elle collabore avec la professeur Denise Ferreira da Silva dans une pratique qu'elles nomment « Poetical Readings », elle est toujours engagée dans la danse et elle est souvent dans les alentours.

Ben Evans est performeur, écrivain, cuisinier. Son travail artistique et ses collaborations sont traversées par l'utilisation de plusieurs médiums incluant des projets qui se passent sur scène, dans des photographies, dans des vidéos, sur internet, dans des musées, à travers des villes et dans l'espace public. Son travail s'est focalisé sur des collaborations à distance, autour de la marche, de la mémoire et des économies du don. Il est actuellement en recherche sur un projet qui questionne la relation entre le temps et les miroirs, inspiré par les performances drag et un des premier travaux de Dan Graham. Il est d'origine américaine, cependant la plus part de ses travaux récents ont été créés et montrés en Europe. 

Alkis Hadjiandreou est un artiste visuel et un architecte. Son travail a été présenté dans des expositions personnelles et de groupes à Paris, Berlin, Athènes, Istanbul et Chypre. En 2011, il a été sélectionné pour la résidence de recherche NRW Kultursekretariat Tanzrecherche #7 (2011) Nordrhein-Westfalen à Mülheim dans la Ruhr avec l'artiste chorégraphique Ben Evans. En 2012, il participe à L'Open call #2 site specific installations commissionné par le centre d'art Nicosia Municipal en collaboration avec la Fondation Pierides à Nicosia (Chypre). Il a été invité comme tuteur à l'école d'architecture d'Athènes ainsi qu'à l'université national de techniques d'Athènes et de Chypre. En 2012, il fonde un collectif de recherche artistique, “pick nick” en collaboration avec l'artiste visuel Panayiotis Michael et l'écrivain Maria Petrides.
www.picknickworks.org

Julie Laporte, danseuse contemporaine, vit actuellement à Paris. Elle s’est formée à Montpellier à EPSEDANSE en danse classique, jazz et contemporaine et à Bruxelles, à P.A.R.T.S. En 2009, Elle intègre un module dans le cadre d’Ex.e.r.ce au CCN de Montpellier, autour de l’œuvre de Merce Cunningham, avec Mathilde Monnier, Foofwa dImmobilité, Lisa Nelson et le vidéaste Charles Atlas. Elle participe en tant qu’interprète à diverses créations chorégraphiques et théâtrales depuis 2002 en France avec Emmanuelle Vo-Dhin, Hélène Cathala, Patrice Barthez, Marc Baylet, Didier Théron, Claire Engel, François Rascalou, Michèle Murray, Johann Maheut, en Allemagne avec Anna Konjetski, en Belgique avec Manuela Rastaldi et en Suisse, en 2013 avec Lucie Tuma. Plus récemment, elle  s’inscrit en collaboration au sein de projets spécifiques autour de la
marche et des pratiques liées à la perception et fiction dans les villes notamment  avec le projet de Myriam Lefkowitz : Walk, Hands, Eyes (a city). Elle développe également un goût pour les pratiques énergétiques  telles que le shiatsu dont elle est certifiée par le Iokaï shiatsu Europe en décembre 2014, le yoga, les outils de l’hypnose pour la création grâce à la transmission de Catherine Contour et le chant avec Violaine Barthélémy. Julie propose également des cours d’éveil corporel pour les enfants et poursuit sa recherche sur le mouvement et la création lors de stages avec entre autre Xavier Leroy dans le cadre d‘un cursus à l’université Paris 8 en Art chorégraphique pour « Rétrospective », Gisèle Vienne, Benoît Lachambre, Dominique Brun, etc.

Géraldine Longueville Geffriaud est née en 1981 à Fréjus en France, vit et travaille à Paris. Elle explore les formats de l’exposition sous des angles très divers, en questionnant les paramètres de visibilité de l’art, le rôle de l’artiste et celui des espaces d’expositions. Elle accompagne l’inventivité des artistes en créant de multiples formes de diffusion et de partage des œuvres : conférence performée, pièce sonore, workshop, galerie sans mur, banquet, ou encore création de cocktail. De 2005 à 2009, elle conduit La Galerie extérieure, une galerie mobile investissant l’espace public à Paris et aux États-Unis. Depuis 2011, elle collabore régulièrement avec les artistes David Bernstein et Jurgis Paskevicius sous le nom de Jugedamos. Ensemble ils réalisent des pièces écrites et des performances basées sur la perte du langage, son interprétation et sa réinvention. Depuis 2014, elle a initié Black Garlic, résidence de production collaborative en art et gastronomie.

Jean-Philippe Derail  is a film editor, choreograph, performer and video artist, he lives and works in Paris.
Following an education in dance, theatre, and film studies at University Lyon II, he comes to audiovisual editing after an experience of 20 years of dancing, choreography, video dance. From 1993 to 2001, he is a full-time performer with the Groupe Kraft, he directs his first pieces inspired by the American photographer Diane Arbus. From 2001 to 2013, he develops a genre at the meeting-point of different artistic universes through hybrid forms (Do It Yourself, performance based on the roots of the punk movement - 2008). He works on the relationship between dance and cinema, concerned with how to make use of the camera as a choreographical tool (Triptyque - 2005 ; Slapsticks, a series of 11 choreographic short films - 2007/2008, Road Movie, an itinerary film in 7 stages - 2011/2013). Dancer-interpreter in several companies (Anne Lopez/Les gens du quai …), he participates in 2010 a module of Ex.e.r.ce at CCN of Montpellier. He takes part in the creation of the musical review Puttin' On a Show by Mark Tompkins. In 2012, he joined Myriam Lefkowitz around the project Walk, Hands, Eyes (a city). In 2013, and after resumption of studies in Dance Department of University Paris 8, he joined the long training "Editor, a Profession" at INA. After that, he focuses on writing and composition in audiovisual editing. Currently, he is working on several documentary projects, fiction and teasers for performing art. In 2006, he creates POST, a structure which hosts each of his project.
www.jeanphilippederail.net

Valentina Desideri is an Amsterdam-based artist and active producer of her conditions of living, knowing and making. She trained in contemporary dance at the Laban Centre in London (2003-2006) and later on did her MA in Fine Arts at the Sandberg Institute in Amsterdam (2011-13). She does Fake Therapy and Political Therapy, she co-organises Performing Arts Forum in France, she speculates in writing with Prof. Stefano Harney, she writes biographies by reading people's hands, she engages in Poehtical Readings with Prof. Denise Ferreira da Silva,  she keeps involved in dance and she is often around.

Ben Evans is sometimes: a performer, a writer, a chef. His artistic work and collaborations have spanned across mediums to include projects that occur on the stage, within photographs, inside videos, over the internet, in museums, through cities and outdoor public spaces… His work in the past has focused on long-distance collaboration, walking, memory and gift-economies, and he is currently at work on a project that looks at the relationship between time and mirrors, sourcing transformations inspired by drag performance and early performance works of Dan Graham. He is originally from the USA, but most of his current work is made and shown in Europe. Change is on the horizon..

Alkis Hadjiandreou is a visual artist and architect. Born in Nicosia, Cyprus. He studied Architecture at National Technical University, Athens (2007) and Theatre Studies at Université Paris 8/St. Denis, Paris (2010). His work has been presented in group and solo exhibitions in Paris, Berlin, Athens, Istanbul and Cyprus. Recipient of the NRW Kultursekretariat Tanzrecherche #7 (2011) Nordrhein-Westfalen, Germany in collaboration with performer and choreographer Ben Evans (USA) and the Open Call #2: Site specific installations, commissioned by Nicosia Municipal Arts Centre in collaboration with Pierides Foundation (2012), Nicosia, Cyprus. He has been invited as guest tutor at seminars and design studios by the Schools of Architecture, at the National Technical University of Athens and the University of Cyprus. In 2012, he co-founded art & research collective, pick nick, with visual artist, Panayiotis Michael, and writer, Maria Petrides.
www.picknickworks.org

Julie Laporte is a contemporary dancer, born in 1977, currently based in Paris. She was trained in ballet, jazz and contemporary dance in EPSEDANSE (Montpellier) and in P.A.R.T.S (Brussels) where she discovered release techniques, and improvisation. In 2009, she has the opportunity to participate in one chapter of Ex.e.r.ce (CCN, Montpellier), focused on Merce Cunningham work. She studied there with Mathilde Monnier, Foofwa d' Immobilité, Lisa Nelson and the video maker Charles Atlas. Since 2002, she has performed for different French choreographers such as Emmanuelle Vo-dhin, Hélène Cathala, Patrice Barthez, Marc Baylet, Didier Théron, Claire Engel, François Rascalou, Michèle Murray and Johann Maheut. She also danced in Germany, for Anna Konjetski, in Belgium, for Manuela Rastaldi and in Switzerland for Lucie Tuma. Currently, she's been collaborating to specific projects involving perceptive experiences in dialogue with the urban enviromnent, especially with Myriam Lefkowitz's Walk, Hands, Eyes ( a city) project which has been presented at the Venice Biennale in 2013, in the Center of Contemporary Art in Vilnius in 2013, in the show « Le Mouvement » in Biel in 2014, in les Laboratoires d'Aubervilliers in 2014 and 2015. She also developps a taste for energetic practices such as shiatsu (Iokai Shiatsu Paris), yoga and hypnosis tools (transmitted by Catherine Contour). Julie is now pursuing her research through a teaching practice for kids and different workshops, espacially with Xavier Leroy around « Retrospectice », in the context of the University of Paris 8/ Performing Arts. In 2014, with Gisèle Vienne, Benoît Lachambre, Dominique Brun ...

Géraldine Longueville Geffriaud  is born in 1981, in Frejus, France, she lives and works in Paris. She curates art projects that explore formats of exhibition; questioning parameters of visibility of art, the role of the artists and the art spaces. She escorts the artists' inventiveness by creating flexible and multiple modes of showing their works and sharing it with the audience taking the shape of a show, a residency, a song, a poem, or a dish. From 2005 - 2009 Geffriaud ran La Galerie Exterieure, a mobile gallery offering various contexts to make art happenings. Black garlic is Geffriaud’s most recent project, a restaurant where she invites artists and others personalities to have dinner together.

During her nine-month residency at Les Laboratoires d’Aubervilliers Katinka Bock developed a project exploring the question of gift- and counter-gift giving. Always committed to inscribing her research in the site she is occupying, Zarba Lonsa* grew out of a project developed in the very particular context of the Quatre-Chemins area in Aubervilliers (France). Zarba Lonsa is an exhibition intertwining visual work and exchanges with storekeepers, inviting spectators and local residents to experience an intimate and poetic exploration which will in turn make them protagonists of these narratives based on gift-giving.

Katinka Bock envisions the production of artworks in terms of their relation to the context in which they emerge. Attentive to the fact that an art space generates extra-ordinary uses and experiences, she endeavours to render the elements that make for the specificity of such spaces visible by closely relating them to their surrounding context. She taps into minute elements and characteristics of the sites she engages with, which might include architectural, urban, social, climatic, temporal and spatial characteristics, thus building her project from the tiniest details that tend to go unnoticed.

The artwork is never an end in itself for Katinka Bock but rather a vehicle through which we can experience time and space and begin to create fictions in which we are the discreet, sometimes unintentional protagonists. The relationship she establishes through her work is always light, never intrusive. In this way, from the informed spectator who goes to see the artist’s work to an individual who happens to find one of her works disseminated in public space and people who work in the exhibition venue, everyone experiences a personal, poetic shift in terms of their usual experience of a site.

Katinka Bock began to explore the Quatre-Chemins area surrounding Les Laboratoires in February 2015 and was immediately struck by the number of shops located around the crossroads and surrounding streets. Shops selling a heterogeneous range of products, from meat to wedding dresses, sewing machines, colourful pastries and mobile phone products, etc., but also ghost-like shopfronts that seem to have been long forgotten. The diversity of commercial activity, the incessant flux of residents who come to buy products or to chat with the shopkeepers led Katinka Bock to work on setting up an object-exchange process with the shopkeepers as a way of investigating the value, meaning and status of object exchange, especially with regards to art objects. In this project the artwork becomes the subject of a relationship that is freely developed, outside the rules and regulations of the art institution. In this way, several shopkeepers accepted to take part in the project and give a product from their shop in exchange for one of her sculptures, a block of fired clay made specifically for the project.

Once the exchange had taken place, the object will then be displayed in the shop, amid the jumble of bric-a-brac shops, on the shelves or as part of the window displays of clothes stores, hair salons or butcher shops. The sheer incongruity of the sculpture in these sites makes it compelling, a ‘queer’ element prompting contemplation, questioning and conversation.

The project is thus grounded in the idea of exchange, of gift and counter-gift giving, as well as on a desire to establish a mode of circulation or trail of artworks in the window displays and sites directly located on the street. Above all Katinka Bock hopes this exchange will be the fruit of a real encounter and dialogue between the artist and the shopkeepers, and the starting point of the exhibition process. This simple gesture, exchanging an artwork for a commodity, is grounded in the narrative of an experience Katinka Bock wishes to share, the desire to invite others to take part in an artistic experiment that the protagonists — the artist, the shopkeepers, the customers and a wider public —build on in order to construct a common narrative. As with all of Katinka Bock’s work, the narrative is minimal and is entirely contained in the micro-shifts she creates and the dialogue she establishes with others who then have complete freedom to interpret and appropriate the project as they wish.

The fired clay sculptures scattered about the Laboratoires d’Aubervilliers space pursue this first exchange phase. Each of these sculptures are the containers of the objects given by the shopkeepers. They encapsulate the objects that were given, and some of the objects were burned when the container — the clay sculpture — was fired in the ceramicist’s oven. These new sculptures, in all their various formats, are also the ‘protagonists’ of a Super 8 film; they will be handled by people, only sections of their bodies will be visible, thus creating a kind of confrontation, a grapple between the body of the sculpture and that of the handler: bodies in constant transformation, following a play of interactions between various possible forms and angles, between container, contained and handler. Sculptures, movements and bodies resonate with one another as if to better demonstrate the porousness of the inner-outer divide.

A bronze circle looms in one of the Laboratoires spaces. A quiet, fragile figure that allows us to s gauge the space and define the contours of a geography at once self-contained and open onto the outside. This fine circular line made with twigs gathered over the winter in the streets around Aubervilliers articulated the public space of the Aubervilliers streets and the private space of the Laboratoires d’Aubervilliers art centre, at the intersection of the different geographic experiences Zarba Lonsa gives rise to.

Two public readings performed by Katinka Bock and Clara Schulmann (an art historian and author of a text tied to the project and commissioned by Katinka Bock) are scheduled while Zarba Lonsa will be running at Les  Laboratoires d'Aubervilliers.

Alexandra Baudelot

The exhibition Zarba Lonsa will be presented at Les Laboratoires d'Aubervilliers until 19th December 2015, Tuesday to Friday, from 11:00 am to 6:00 pm and Saturday from 1:00 to 6:00 pm.

It will be accompagnying by two public readings Thursday 15th October at 7:30 pm and Saturday 12th December, 2015 at 4:30 pm.
 

The project and the exhibition Zarba Lonsa by Katinka Bock were produced by Les Laboratoires d'Aubervilliers with the support of the Department de la Seine-Saint-Denis and the Direction régionale des affaires culturelles d'Ile-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication.

In the context of her exhibition Zarba Lonsa, in Les Laboratoires d'Aubervilliers until 19th December, the artist Katinka Bock wanted to offer to younger an afternoon of playful creation.

After visiting the exhibition, young participants will be invited to sculpt shapes with unexpected technical derived from the Katinka Bock's practice. German artist living in Paris, Katinka Bock makes sculpture by focusing on the specificity of materials as on external elements that come at once power and disrupt creation steps.

These unexpected techniques will be "invented" by the children. From a container made with clay, young sculptors will think on how to create a sculpture at the whim of the intervention of external and incongruous elements.

Finally, a snack will punctuate this afternoon with children.

 
Free workshop, reserved to 8-12 years et limited to 15 participants.
On reservation only by phone 01 53 56 15 90 or by email at reservation@leslaboratoires.org

Katinka Bock, Zarba Lonsa, Champignon, 2015 - © Ouidade Soussi-Chiadmi
Courtesy Galerie Jocelyn Wolff (Paris) and Meyer Riegger (Berlin/Karlsruhe)

For the exhibition Zarba Lonsa, which marks the end of her residency at Les Laboratoires d'Aubervilliers since February 2015, Katinka Bock asked Clara Schulmann, art and cinema historian, to write a text on the developed project and the work exhibited. The text written by Clara Schulmann is published in small limited edition given to visitors at the exhibition and is also the subject of the performance directed by Katinka Bock Clara Schulmann and which takes the form of a sort of a reading.

The performance, conducted during the opening is "repeated" Saturday 12th December, 2015, at 4:30 pm

photos :

Kartinka Bock, Zarba Lonsa, 2015 © Katinka Bock
courtesy Meyer Riegger Berlin/Karlsruhe et Jocelyn Wolff Paris

Kartinka Bock, Zarba Lonsa, Lecture et Liegenden 2015
© Ouidade Soussi-Chiadmi / courtesy Meyer Riegger Berlin/Karlsruhe et Jocelyn Wolff Paris

Dans le cadre de son exposition Zarba Lonsa, visible en ce moment aux Laboratoires d’Aubervilliers jusqu’au 19 décembre, l’artiste Katinka Bock a souhaité proposer aux plus jeunes un après-midi de création ludique.

Après une visite de l’exposition, les participants seront invités à sculpter des formes à l’aide de techniques inattendues dérivées de la pratique de Katinka Bock. Artiste allemande vivant à Paris, Katinka Bock travaille la sculpture en s'attachant à la spécificité des matériaux tout comme aux éléments extérieurs qui viennent tout à la fois alimenter et perturber les étapes de création.

Ces techniques inattendues seront "inventées" par les enfants. A partir d’un récipient réalisé en terre, les sculpteurs en herbe réfléchiront à la manière de créer une sculpture au gré de l’intervention d’éléments extérieurs et incongrus.

Enfin, un goûter viendra ponctuer ce temps d'atelier avec les enfants.

Atelier gratuit, réservé aux 8-12 ans et limité à 15 participants.
Sur réservation obligatoire au  01 53 56 15 90 ou reservation@leslaboratoires.org

Katinka Bock, Zarba Lonsa, Champignon, 2015 - © Ouidade Soussi-Chiadmi
Courtesy Galerie Jocelyn Wolff (Paris) et Meyer Riegger (Berlin/Karlsruhe)

Pour l'exposition Zarba Lonsa, conclusion de sa résidence aux Laboratoires d'Aubervilliers entamée en février 2015, Katinka Bock a demandé à Clara Schulmann, historienne de l'art et du cinéma, de réaliser un texte sur le projet développé et le travail exposé. Le texte écrit par Clara Schulmann est publié dans la petite édition limitée remise aux visiteurs lors de l'exposition, il fait également l'objet de la performance réalisé par Clara Schulmann et Katinka Bock qui prend la forme de ce qui pourrait s'apparenter à une lecture.

La performance, réalisée le soir du vernissage, est "redite" samedi 12 décembre 2015, à 16h30.

photos :

Kartinka Bock, Zarba Lonsa, 2015 © Katinka Bock
courtesy Meyer Riegger Berlin/Karlsruhe et Jocelyn Wolff Paris

Kartinka Bock, Zarba Lonsa, Lecture et Liegenden 2015
© Ouidade Soussi-Chiadmi / courtesy Meyer Riegger Berlin/Karlsruhe et Jocelyn Wolff Paris

Liberate Tate (represented by Mel Evans)
Liberate Tate is an art collective exploring the role of creative intervention in social change. The group aims to "free art from oil" with a primary focus on the art museum Tate ending its corporate sponsorship with BP. Liberate Tate has become internationally renowned for artworks about the relationship of public cultural institutions with oil companies.

BP or Not BP? (represented by Chris Garrard)
BP or not BP? is an “actor-vist” theatre group who use performance to take on oil sponsorship of cultural institutions. They began life in 2012, invading the stages of BP-sponsored plays by the Royal Shakespeare Company, performing oil-themed parodies of the bard’s work. After BP’s logo was dropped, they turned their attention elsewhere, taking on Shell and BP at institutions across London and at the Edinburgh International Festival. They have now held 13 performances inside the BP-sponsored British Museum and in September, hosted a mass festival of protest involving 15 groups and over 250 people in the museum’s Great Court.

Not An Alternative (represented by Beka Economopoulos)
Not An Alternative is a NY-based collective that operates at the intersection of art, activism, and pedagogy. The group has a mission to affect popular understandings of symbols, institutions, and history, producing interventions that create participatory points of entry for arts audiences and everyday citizens alike. Its programs have been featured within art institutions, such as Guggenheim and PS1/MOMA (NY), Tate Modern and Victoria & Albert Museum (London), and Museo Del Arte Moderno (Mexico City), and in the public sphere, in collaboration with activists and community groups. Not An Alternative’s latest, ongoing project is The Natural History Museum--a new museum that highlights the socio-political forces that shape nature, yet are excluded from traditional natural history museums.

ZARBA LONSA
Form 16th October to 19th December 2015
Opening Thursday 15th October 2015, at 6 pm

During her explorations in the Quatre-Chemins neighbourhood near Les Laboratoires d’Aubervilliers, Katinka Bock was particularly struck by the number of shops located around the crossroads and surrounding streets. The diversity of businesses and the continuous flux of passers-by and local residents led the artist to set up and activate an exchange process with some of the shopkeepers. The artwork thus became the focus of a freely developed relation, unfettered by the rules and regulations of the art institution, allowing her to engage in a novel interrogation of the value, meaning and status of object exchange, including the exchange of art objects.

This project is grounded not only in the question of exchange but also in a desire to create a trajectory or flow of artworks between the street and the exhibition space, bringing into relief a key aspect of Katinka Bock’s work: the close bond between what is seen and what is not seen, between the here and the elsewhere/ home and away. This exchange is the starting point of the exhibition process and of an experience that the artists wishes to share. As with her work in general, in this project the narrative is minimal and wholly contained in the micro-shifts she creates, leaving participants free to interpret and appropriate the project as they wish. The exchanged objects then underwent a process of transformation giving rise to a new series of sculptures, an installation and a film screened across various spaces of Les Laboratoires d’Aubervilliers. 

Katinka Bock is a German-born artist living in Paris. Her projects are always produced in relation to the environment in which the work will be presented. Ever attentive to the fact that an art space generates extra-ordinary uses and experiences, she endeavours to render the elements that make for the specificity of such spaces visible by closely relating them to their surrounding context. She taps into minute elements and characteristics of the sites she engages with, building her project from the tiniest details that tend to go unnoticed, which might include anything from architectural, urban, social, climatic, temporal and spatial aspects of the site in question.

Two public readings by Katinka Bock and Clara Schulmann (art historian) have been scheduled alongside the exhibition:

Thursday 15th October 2015, 7:30 pm
Saturday 12th December 2015, 4:30 pm

The exhibition is open from Monday to Friday, from 11:00 am to 6:00 pm and Saturday from 1:00 to 6:00 pm.

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In addition to this project, on the invitation of Jacob Fabricius, Katinka Bock will be presenting an installation at the Cneai in Chatou, located on the Île des impressionists (Island of Impressionists) on the river Seine. For this project, Links Mitte Rechts, the artist has used water, one of the elements surrounding the Cneai site. She has created a diversion, making the Seine river water pass from one bank to the other via the Cneai building.
You can see Katinka Bock’s Links Mitte Rechts project at the Cneai from 17th October to 5th December 2015.

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The project and the exhibition Zarba Lonsa by Katinka Bock were produced by Les Laboratoires d'Aubervilliers with the support of the Department de la Seine-Saint-Denis and the Direction régionale des affaires culturelles d'Ile-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication.

ZARBA LONSA
Du 16 octobre au 19 décembre 2015
vernissage le jeudi 15 octobre 2015, à 18h

De ses pérégrinations entamées en février 2015 dans le quartier des Quatre-Chemins à proximité des Laboratoires d'Aubervilliers, l’artiste a été particulièrement frappée par la densité des commerces déployés autour du carrefour et de ses rues adjacentes. Cette diversité d’activités et le flux incessant des passants et habitants a conduit Katinka Bock à activer avec les commerçants un processus d’échange. L’oeuvre est devenue l’objet d’une relation construite librement, hors de l’institution artistique et de ses règles, ceci afin de questionner autrement la valeur, le sens et le statut de l’échange d’objets, et notamment de l’objet d’art.

À l’origine de ce projet, outre l’échange, il y a le désir de créer un parcours d’œuvres entre la rue et l’espace d’exposition, soulignant un trait important de son travail, la solidarité entre ce qui est visible et ce qui ne l’est pas, entre l’ici et l’ailleurs. Cet échange est le point de départ du processus de l’exposition et d’une expérience qu’elle souhaite partager. À l’instar de l’ensemble de son travail, le récit y est minimal et entièrement contenu dans les micro-déplacements que Katinka Bock provoque, laissant toute liberté d’interprétation et d’appropriation. Par la suite, les objets échangés ont suivi un processus de transformation donnant lieu à une nouvelle série de sculptures, une installation et un film qui, au sein de l’exposition Zarba Lonsa, se déploie dans les espaces des Laboratoires d'Aubervilliers.

Artiste d’origine allemande vivant à Paris, Katinka Bock conçoit la production de ses oeuvres en rapport à l’environnement dans lequel elle intervient. Attentive au fait qu’un lieu d’art génère des expériences « extra-ordinaires », elle s’emploie à rendre perceptible ce qui fait la particularité de ces lieux. Elle s’attache pour cela à saisir d’infimes éléments, à se laisser prendre par des détails difficilement perceptibles d’ordinaire et à partir desquels l’oeuvre se construit, révélant ainsi certaines caractéristiques de l’identité de ces lieux, à la fois architecturales, urbaines, sociales, climatiques, temporelles et spatiales.

Deux lectures publiques portées par Katinka Bock et Clara Schulmann (historienne de l’art) viendront ponctuer l’exposition :

Jeudi 15 octobre 2015, 19h30
Samedi 12 décembre 2015, 16h30

L'exposition est ouverte du lundi au vendredi de 11h à 18h et le samedi de 13h à 18h.

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Par ailleurs, Katinka Bock sur l'invitation de Jacob Fabricius réalise une installation au Cneai à Chatou, dont le bâtiment est construit sur l’île des impressionnistes elle-même située sur la Seine. Pour ce projet, Links Mitte Rechts, l’artiste utilise comme matériau l’un des éléments environnant du Cneai : l’eau. Elle crée une déviation pour faire passer l’eau de la Seine d’une rive à l’autre en passant par le bâtiment du Cneai.
Links Mitte Rechts de Katinka Bock sera visible au Cneai du 17 octobre au 5 décembre 2015.

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Le projet et l’exposition Zarba Lonsa de Katinka Bock ont été produits par Les Laboratoires d’Aubervilliers avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis et de la Direction régionale des affaires culturelles d'Ile-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication.

Workshop mené par François Deck

Le travail de conception conduit à oublier des compétences acquises pour accueillir l’improbable. L’incompétence assumée est la source de nouvelles questions. Lorsque la crise montre les limites de l’expertise, les réputés incompétents peuvent avoir une action formatrice en obligeant ceux qui sont censés savoir à complexifier leur point de vue. Dans un contexte de reconfiguration permanente des usages et des langages par les technologies, la mutualisation des compétences et des incompétences fait apparaître de nouvelles ressources et un autre partage de la décision. Ce principe de mutualisation structure l’approche de L’école erratique. Son programme propose d’augmenter la valeur des problèmes en les subjectivant de façon imprévisible.

Ce workshop est complet. Nous ne prenons plus de réservations.

photo : DR

Dessin, sculpture, installation. 1992, cesse d’exposer. Activité évoluant vers la construction d’un rôle réversible, consulter et être consulté. L’artiste consultant privilégie les situations d’émergence collective. Banques de questions. Les logiciels libres sont-ils un modèle pour l’art contemporain ? Copyleft attitude, Paris. Consultant pour l’agence d’urbanisme de Grenoble, les biennales de Paris et de Rennes, Skol à Montréal, etc. 2001, publie Esthétique de la décision. Agencer l’improbable, jeu coopératif en six langues, Bilbao. Depuis 2009 L’école erratique active des sessions de cinq personnes, Paris, Genève, Montréal, Shanghai. 2010, publie Brouillon général, titre éponyme d’une édition dont les brochures circulent de main à la main. 2015, la première personne du singuriel, Contrat Maint. h-constitution, Optical Sound.

Pooling competences and incompetences
Workshop lead by François Deck

Creative work entails forgetting skills acquired in order to embrace the improbable. A form of accepted incompetence generates new enquiries. When the crisis reveals the limits of expertise, those who are supposedly incompetent can play a defining role by bringing those who supposedly ‘know’ to complexify their point of view. In a context in which technology is constantly reconfiguring habits and language, the ‘pooling of competences and incompetences’ brings new resources to the fore and a new distribution of decision-making. This pooling principle grounds L’école erratique’s approach. The program sets out to increase the value of problems by subjectifying them in an unforeseeable way.

This workshop is SOULD OUT. We can not take more reservation.

photo : DR

Drawing, sculpture, installation. 1992, stopped exhibiting. His work moved towards the construction of a reversible role, advising and being advised. The artist-adviser privileges situations of collective emergence. Question banks. Is open-source software a model for contemporary art? Copyleft attitude, Paris. Adviser for Grenoble urban planning agency, Paris and Rennes biennials, Skol in Montreal, etc. 2001, publication of Esthétique de la decision. Agencer l’improbable, a cooperative game in six languages, Bilbao. Since 2009 l’École erratique activates five-person sessions, Paris, Geneva, Montreal, Shanghai.
2010, publication of Brouillon general, eponymous title of an edition of pamphlets distributed hand-to hand. 2015, la première personne du singuriel, Contrat Maint. h-constitution, Optical Sound. 

OIL OUT OF CULTURE

À l'occasion de la COP21, 21e Conférences des Nations unis sur le changement climatique, qui se tient à Paris du 30 novembre au 11 décembre, Les Laboratoires d'Aubervilliers et La Générale à Paris accueilleront plusieurs collectifs d’artistes/activistes venant de 7 pays différents pour deux jours de rencontre non publique.

A l’issue de ces deux jours, un débat public, organisé aux Laboratoires d'Aubervilliers, réunira des artistes de Liberate Tate (Royaume-Uni), BP or not BP? (Royaume-Uni), et Not An Alternative (US) et permettra de débattre des outils de création qui constituent le coeur de leurs pratiques interventionnistes non autorisées.

En faisant appel, dans une égale mesure, aux stratégies de réforme des pratiques artistiques de la critique institutionnelle et aux stratégies des organisations militantes, ces collectifs suggèrent que nous devrions repenser notre relation aux institutions. Et cela pour non seulement imaginer des formes d’opposition, de dissolution ou des solutions pour échapper au pouvoir institutionnel existant ; mais aussi pour réfléchir à la manière dont les formes institutionnelles existantes peuvent être tout à la fois occupées et utilisées comme outils de production de la culture et de la solidarité collective contre les entreprises et institutions qui portent la plus grande responsabilité de ce changement climatique.



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Liberate Tate (représenté par Mel Evans)
Liberate Tate est un collectif d'artistes qui explore l'impact de l'intervention artistique dans le changement social. Le groupe vise "l'art libre depuis le pétrole" en portant notamment une attention particulière sur les deux musées que regroupe la Tate, et dont leur objectif est de mettre un terme à son mécénat avec BP. Liberate Tate a acquis une reconnaissance internationale pour ses oeuvres sur la relation entre les institutions culturelles publiques et les compagnies pétrolières.

BP or not BP? (représenté par Chris Garrard)
BP or not BP? est un groupe de théâtre «acteur-vist” qui utilisent la performance pour attaquer le parrainage des compagnies pétrolières en faveur des institutions culturelles. Ils ont pris naissance en 2012, envahissant la scène d’une pièce jouée par la Royal Shakespeare Company et parrainée par BP, avec une parodie d’une chanson barde sur le thème du pétrole. Après avoir épuisé le logo de BP, ils ont tourné leur attention dans une autre direction, s’attachant aux relations entre Shell et BP avec les institutions culturelles à Londres et avec le Festival international d'Édimbourg. Ils ont maintenant à leur actif 13 représentations réalisées à l'intérieur du British Museum parrainé par BP et, en Septembre, accueilli un gigantesque festival de protestations impliquant 15 groupes et plus de 250 personnes dans la Grande Cour (Great Court) du musée.

Not An Alternative (représenté par Beka Economopoulos)
Not An Alternative est un collectif basé à New York qui fonctionne à l'intersection de l'art, de l'activisme et de la pédagogie. Le groupe a pour mission d'affecter les compréhensions populaires des symboles, institutions et de l'histoire, en produisant des interventions qui créent des préambules participatifs tant pour le public de l’art que pour les citoyens de tous les jours. Leurs programmes ont été présentés au sein des institutions artistiques telles que le Guggenheim et PS1/MoMA (New York), la Tate Modern et le Victoria & Albert Museum (Londres), et Museo Del Arte Moderno (Mexico), ainsi que dans l’espace public, en collaboration avec des militants et des groupes communautaires. Le projet en cours de Not An Alternative s’intitule The Natural History Museum, un nouveau musée qui met en valeur les forces socio-politiques qui façonnent la nature mais sont exclues des musées traditionnels d'histoire naturelle.

OIL OUT OF CULTURE

On the occasion of the UN climate summit in Paris, Les Laboratoires d’Aubervilliers and Le Générale will co-host a two-day meeting with groups from 6 or 7 countries around the world that are all doing "cultural divestment" work.

At the end of the meeting, Les Laboratoires d’Aubervilliers will stage a public discussion with artists from Liberate Tate (UK), BP or not BP? (UK), and Not An Alternative (US) about the creative tools central to their unauthorized interventionist practices.

Drawing on strategies culled from the artistic practice of institutional critique and activist organizing in equal measure, they suggest that we should recalibrate our relationship to institutions--to not only imagine ways of opposing, dissolving, or drawing lines of flight from existing institutional power, but also to imagine how existing institutional forms can be occupied and used as tools for the production of culture and collective solidarity against the corporations that bare the greatest responsibility for climate change.

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Liberate Tate (represented by Mel Evans)
Liberate Tate is an art collective exploring the role of creative intervention in social change. The group aims to "free art from oil" with a primary focus on the art museum Tate ending its corporate sponsorship with BP. Liberate Tate has become internationally renowned for artworks about the relationship of public cultural institutions with oil companies.

BP or not BP? (represented by Chris Garrard)
BP or not BP? is an “actor-vist” theatre group who use performance to take on oil sponsorship of cultural institutions. They began life in 2012, invading the stages of BP-sponsored plays by the Royal Shakespeare Company, performing oil-themed parodies of the bard’s work. After BP’s logo was dropped, they turned their attention elsewhere, taking on Shell and BP at institutions across London and at the Edinburgh International Festival. They have now held 13 performances inside the BP-sponsored British Museum and in September, hosted a mass festival of protest involving 15 groups and over 250 people in the museum’s Great Court.

Not An Alternative (represented by Beka Economopoulos)
Not An Alternative is a NY-based collective that operates at the intersection of art, activism, and pedagogy. The group has a mission to affect popular understandings of symbols, institutions, and history, producing interventions that create participatory points of entry for arts audiences and everyday citizens alike. Its programs have been featured within art institutions, such as Guggenheim and PS1/MOMA (NY), Tate Modern and Victoria & Albert Museum (London), and Museo Del Arte Moderno (Mexico City), and in the public sphere, in collaboration with activists and community groups. Not An Alternative’s latest, ongoing project is The Natural History Museum, a new museum that highlights the socio-political forces that shape nature, yet are excluded from traditional natural history museums.

OIL OUT OF CULTURE

In the midst of the climate crisis, an international movement of arts/activist collectives has taken shape around a common demand to cultural institutions: cut all ties to fossil fuels. Railing against BP’s sponsorship of Tate Galleries in London, Shell’s sponsorship of climate change programming at London Science Museum, Total’s sponsorship of the Louvre, and climate denier David Koch’s position on the board of the American Museum of Natural History, these groups are taking aim at the role cultural institutions play in variably green-washing or “art-washing” fossil fuel sponsors--laundering their public image, while diverting attention away from their relentless environmental and human rights abuses around the world.

On the occasion of the 21e UN climate summit in Paris, COP21, Les Laboratoires d’Aubervilliers and La Générale will co-host a two-day meeting with groups from 6 or 7 countries around the world that are all doing "cultural divestment" work, borrowing methodologies from Institutional Critique to call on cultural institutions to cut ties to sponsors from the fossil fuel industry. Some of these groups are Liberate Tate (UK), BP or not BP? (UK), and Not An Alternative (US).

Drawing on strategies culled from the artistic practice of institutional critique and activist organizing in equal measure, they suggest that we should recalibrate our relationship to institutions--to not only imagine ways of opposing, dissolving, or drawing lines of flight from existing institutional power, but also to imagine how existing institutional forms can be occupied and used as tools for the production of culture and collective solidarity against the corporations that bare the greatest responsibility for climate change.

Tuesday 8th December, from7 pm
An evening of public debate is organised at Les Laboratoires d'Aubervilliers, with Not An Alternative, BP or not BP? and Liberate Tate.

Liberate Tate, Human Cost, 2011. Performance, Tate Britain, a durational performance marking the first anniversary of the BP Gulf of Mexico catastrophe - © Amy Scaife

OIL OUT OF CULTURE


En pleine crise climatique, un mouvement international de collectifs artistes/activistes a pris forme autour d'une revendication commune adressée à des institutions culturelles: couper tous les liens avec les énergies fossiles. Haro sur le parrainage de la Tate Gallery à Londres par BP, sur celui du programme sur le changement climatique au London Science Museum par Shell, du Louvre par Total, ainsi que sur la position du scepticisme climatique de David Koch au sein du conseil d'administration de l'American Museum of Natural History. Ces collectifs ciblent le rôle joué par les institutions culturelles dans une variable de l’ “éco blanchiment”, l'“art blanchiment” ou, plus explicitement, la manière dont les grandes entreprises d’énergies fossiles blanchissent leur image publique via des sponsors vers l’art, tout en détournant l'attention de leurs incessantes violations des droits humains et environnementaux à travers le monde.

A l'occasion de la 21e Conférences des Nations unis sur le changement climatique, qui se tient à Paris du 30 novembre au 11 décembre, Les Laboratoires d'Aubervilliers et La Générale à Paris accueillent sur deux jours des collectifs artistes/activistes venant de 7 pays différents qui tous développent un travail de "désinvestissement culturel" empruntant leurs méthodologies à la critique institutionnelle et ce afin d'appeler les institutions culturelles à couper tous liens avec leurs sponsors issus des énergies fossiles. Certains de ces groupes sont Liberate Tate (Royaume-Uni), BP or not BP? (Royaume-Uni), et Not An Alternative (US).

En faisant appel, dans une égale mesure, aux stratégies de réforme des pratiques artistiques de la critique institutionnelle et à l’organisation militante, ces collectifs suggèrent que nous devrions repenser notre relation aux institutions. Et cela pour non seulement imaginer des formes d’opposition, de dissolution ou des solutions pour échapper au pouvoir institutionnel existant ; mais aussi pour réfléchir à la manière dont les formes institutionnelles existantes peuvent être tout à la fois occupées et utilisées comme outils de production de la culture et de la solidarité collective contre les entreprises et municipalités qui portent la plus grande responsabilité de ce changement climatique.

Mardi 8 décembre 2015 à 19h
Une soirée de débat public est organisées aux Laboratoires d'Aubervilliers, réunissant notamment des artistes de Not Alternative (USA), BP or not BP? (UK) et Liberate Tate (UK).

Liberate Tate, Human Cost, 2011. Performance à longue durée réalisée dans les salle de la Tate Britain à Londres pour le premier anniversaire de la catastrophe pétrolière de BP dans le golfe du Mexique - © Amy Scaife

The Pixelated Revolution
by Rabih Mroué

Informal lecture, 60 min

 
« The Syrian protestors are recording their own deaths. » This is the opening sentence of The Pixelated Revolution, a succession of videos during which we witness a sniper and a soldier from the regime’s army firing at the cameraman. These videos show the moments of eye contact between shooter and cameraman, when the weapon’s line of fire intersects with the camera lens.
This informal video-assisted talk looks firstly at the way Syrians film « here and now » ; reflects on the relationship between this documentary act and death; and questions the way we perceive these videos « now, but over there ».…

Given in English, this talk was commissioned and produced by and for dOCUMENTA 13 in Kassel, in coproduction with Berlin Documentary Forum – HKW/Berlin 2012, the 2010 Spalding Gray  Award (Performing Space 122) in New York, The Andy Warhol Museum in Pittsburgh , On the Boards in Seattle and the Walker Art Center in Minneapolis

Rabih Mroué, The Pixelated Revolution, 2012

Imperformativity
by Stephen Wright

Lecture, 45 min

The appeal of the performative is readily understandable: it reclaims the subject’s power to act from the representational paradigm that holds it captive. But given its inflationary use over the last few years, we have to acknowledge that the forces of strategic rationality have taken performativity over, making it their principal mode of capture and accumulation; they summon us continuously to perform our subjectivities, the better to capture and monetise them, and even to «perform opposition» – thus sparing ourselves, maybe, the hard work of real opposition. Faced with this vista of all-pervading performativity, radical imperformativity has long been the refuge of poachers, idlers, deserters, squatters and other practitioners of the bare minimum; and suddenly the refusal to let oneself be dispossessed of one’s power to not act – of one’s determination to beat the mechanisms of performative capture and still take action behind the scenes – appears as the sole realistic modus operandi.