Born 1975 in Las Cruces, New Mexico, Noam Toran lives and works in London. He teaches at the Royal College of Art, London and at the HEAD, in Geneva. Noam Toran’s work involves the creation of intricate narratives developed as a means to reflect upon the interrelations of history, cinema, literature, and memory. The works examine how fictions influence the collective consciousness, be it as history, myth or memory forming. This is realised through an original way of deconstructing and reconfiguring cinematic and literary codes, conventions and structures, and weaving them with historical materials, thereby complicating the relation between artifact and artifice. The work is exhibited, screened and published internationally, notably at the CNAC Pompidou (Paris), Museum of Modern Art (NYC), Kunsthalle Wien (Vienna), Venice Architecture Biennale, Victoria & Albert Museum (London), Israel Museum, Witte de With (Rotterdam), Lisbon Architecture Triennale, Baltic Contemporary (Newcastle), Arnolfini Gallery (Bristol), Center for Contemporary Art (Tel Aviv), Musée D’Art Moderne (Luxembourg), and Haus der Kulturen der Welt (Berlin).
Thomas Clerc est écrivain. Il a publié Maurice Sachs le désœuvré en 2005 aux éditions Allia. Depuis 2007, ses livres paraissent chez L’Arbalète Gallimard: Paris, musée du XXIe siècle, Le 10e arrondissement, premier volet d’une description ambulatoire de Paris, puis en 2010 un recueil de dix-huit nouvelles, L’homme qui tua Roland Barthes, qui a obtenu le prix de l’Académie française de la nouvelle. Enfin, en 2013, il publie Intérieur, une description intégrale de son appartement. Chroniqueur hebdomadaire à France-Culture, éditeur du cours de Roland Barthes au Collège de France Le Neutre (Seuil/IMEC) et des Œuvres de Guillaume Dustan chez POL il effectue aussi des performances inédites produites dans des lieux divers (Théâtre de Gennevilliers, Centre Pompidou, FRAC Aquitaine, Festival Act’oral Marseille, Le BAL, etc.)
Thomas Clerc is a writer. He published Maurice Sachs le désœuvré in 2005 at Allia publishing house. Since 2007, his books are published by L’Arbalète Gallimard: Paris, musée du XXIe siècle, Le 10e arrondissement, first part of an ambulatory description of Paris, and, in 2010, a collection of eighteen short stories, L’homme qui tua Roland Barthes, who was granted with the Académie Française award for short story. In 2013, he published Intérieur, an exhaustive description of his appartment. He runs a weekly column in Radio France Culture, published the classes of Roland Barthes at the Collège de France Le Neutre (Seuil/IMEC) and the Œuvres de Guillaume Dustan (POL). He also performs in different venues accross France (Théâtre de Gennevilliers, Centre Pompidou, FRAC Aquitaine, Festival Act’oral Marseille, Le BAL, etc.)
Gabriel Desplanque est artiste. Il est né en 1981, et vit et travaille à Paris. Son travail mêle plusieurs médiums, photographie, vidéo, texte, dessin et installation. La danse contemporaine, le rapport à la théâtralité et le lien texte-image sont autant de différents aspects qui influencent son travail. "Ce qui frappe chez Gabriel Desplanque, c’est l’omniprésence de la figure humaine, qu’elle soit réelle (dans les films) ou artificielle (parfois dans les photographies). Partout, elle est en tension avec ce qui l’entoure, les objets, les autres figures. L'espace de la narration n’est jamais loin, mais de manière diffuse, altérée. Je ne raconte pas d’histoires mais en suggère des bribes, fébrilement installées dans un déroulement incertain”. Régis Durand, catalogue Fables et Fragments. Diplômé de l'École des Arts Décoratifs de Paris (2006), des Beaux Arts de Paris (2008), il a poursuivi ses recherches au sein du Post diplôme La Seine (2009-2011). Il a fait plusieurs résidences telles qu’au C.P.I.F. (2009), l'Institut Français de Barcelone (2012) et la Maison Zervos (2013). Ses photographies ont été exposées dans différentes institutions publiques telles que le Centre d'Art de Tanlay, l'Arsenal à Metz, le Centre d'Art Bastille à Grenoble, le Musée des Beaux-Arts de Paris...Enfin, ses films ont été diffusés dans des festivals tels que Hors-Piste au Centre Georges Pompidou, Festival Paris-Berlin, Les Nuits Blanches à Paris, ou encore la Cinémathèque française de Barcelone. Lauréat du prix Zervos-Bourgogne en 2013, il prépare actuellement une exposition monographique à la Maison Zervos pour Juillet-Août 2014, autour du projet "Maison Suzanne" qui se nourrit de ses différentes pratiques, incluant une nouvelle dimension musicale. Voir: www.gabrieldesplanque.com
Gabriel Desplanque is an artist. Born in 1981, he lives and works in Paris. His work mixes several mediums, photography, video, text, drawing, installation. He is interested in contemporary dance, the relation to theatricality and the link text-image - these different aspects influence his work. He studied and got graduated by the École des Arts Décoratifs de Paris (2006) and the École des Beaux Arts de Paris (2008), and did his researches at the “post-diplôme” La Seine (2009-2011). He did several residencies (CPIF, Centre in 2009), French Institute of Barcelona in 2012). His work has been displayed in public institutions like Centre d'Art in Tanlay, the Arsenal in Metz, Centre d'Art Bastille in Grenoble, Musée des Beaux-Arts de Paris... His films were projected in different festivals: Hors-Piste in Centre georges Pompidou, Festival Paris-Berlin, Les Nuits Blanches in Paris, the french Cinémathèque in Barcelona… In 2013 he won the award Zervos-Bourgogne, and will held a monographic exhibtion in the Maison Zervos in July-August 2014 about the project "Maison Suzanne", that is nourrished by his various practices, including a new musical dimension. Website: www.gabrieldesplanque.com
Aneta Stojnic: théoricienne, artiste et commissaire née à Belgrade (ex-Yougoslavie) en 1981. Elle est actuellement chercheuse (post-doctorat) à l’Université de Gent en Belgique, au centre de recherche S:PAM (Studies in Performing Arts & MEdia), rattaché à la Faculté des Arts et de la Philosophie. Elle a soutenu une thèse en théorie des arts et des médias à l’Université des Arts de Belgrade, intitulée “Théorie de la performance dans l’art numérique: vers une nouvelle performance politique” (2013). Elle a écrit de nombreux articles, essais et critiques sur l’art et les médias contemporains, publiés en Serbie, en Slovénie et en Autriche. Elle a été (co-)commissaire de nombreux projets artistiques et est active dans le champ de la performance (cyber-performance, conférence-performance, théâtre contemporain) et dans l’art numérique. Son travail se caractérise par un lien très fort entre théorie et pratique, et une approche multimédia interdisciplinaire. Elle a été accueillie en résidence à Tanzquartier (Vienne) en 2011, et en résidence d’écriture à KulturKontact Autriche, en 2012. Elle a obtenu la bourse Ernst-Mach pour un projet de recherche à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne en 2013.
Aneta Stojnic is a theoretician, artist and curator born in Belgrade (Yugoslavia), 1981. Currently a post-doc researcher at Ghent University, Faculty of Arts and Philosophy Research centre S:PAM (Studies in Performing Arts & Media). PhD in Theory of Arts and Media at University of Arts in Belgrade, thesis title: “Theory of Performance in Digital Art: Towards the New Political Performance" (2013). Author of a various papers, critical reviews and essays on contemporary art and media, published in Serbia, Slovenia and Austria. Curated and co-curated a number of artistic projects, and is active in the field of performance art (including cyber performance, lecture performance and contemporary theatre) as well as new media art. Aneta's professional work is characterized by strong connection between art theory and practice, and she introduces interdisciplinary and multimedia approach in all the aspects of her work. Artist in residence in Tanzquartier Vienna in 2011 and writer in residence at KulturKontakt Austria in 2012. Ernst-Mach Scholarship holder for a research project at the Academy of Fine Arts in Vienna in 2013.
Bénédicte Chaljub est architecte, chercheur en histoire de l'architecture, artiste plasticienne. Elle a consacré sa thèse à l'oeuvre de l'architecte Renée Gailhoustet (née en 1929) et poursuit depuis, un travail de transmission de la culture architecturale de l'après-guerre par le biais d'articles, d'ouvrages, d'expositions. Elle a notamment publié La politesse des maisons, Renée Gailhoustet architecte (ed. Actes Sud, 2009), Georges Candilis, Alexis Josic, Shadrach Woods (ed. Monum, In Folio, 2010), Alexis Josic, architectures, trames, figures (L'Oeil d'or, 2013). Elle est également l'auteur d'articles sur les photographes Pierre Joly et Véra Cardot (AMC, 2013), l'architecte Jean-Louis Chanéac (AMC, 2012), l'école d'architecture de Nanterre (AMC, 2012), les piscines Tournesol (2010) et a été commissaire de l'exposition "Architectures -Arts plastiques Nanterre" (villa des Tourelles, Nanterre, 2013).
Bénédicte Chaljub is an architect, a researcher in history of architecture, and a visual artist. She dedicated her Phd to the work of architect Renée Gailhoustet (born in 1929) and keeps transmitting her research on post-war cultural architecture via the publication of texts, architectural structures, exhibitions. Among others publications, she edited La politesse des maisons, Renée Gailhoustet architecte (ed. Actes Sud, 2009), Georges Candilis, Alexis Josic, Shadrach Woods (ed. Monum, In Folio, 2010), Alexis Josic, architectures, trames, figures (L'Oeil d'or, 2013). She is also the author of articles on the photographers Pierre Joly and Véra Cardot (AMC, 2013), the architect Jean-Louis Chanéac (AMC, 2012), the architecture school of Nanterre (AMC, 2012), the Tournesol swimming pools (2010) and the curator of the exhibition "Architectures -Arts plastiques Nanterre" (villa des Tourelles, Nanterre, 2013).
Peter Pál Pelbart est philosophe et essayiste. Il est professeur à l'Université Pontificale Catholique de São Paulo. Il a traduit des livres de Gilles Deleuze en brésilien, et a écrit sur les rapports entre folie, philosophie, littérature, aussi bien que sur le problème du temps, soit dans l´oeuvre de Deleuze, soit dans ses implications dans le domaine clinique, du cinema ou de la politique. Dernièrement il s’est intéressé aux rapports entre politique et subjectivité, notamment autour de l’axe biopolitique. Son dernier livre est Cartography of Exhaustion - Niilism Inside Out (n-1 publications). Il est membre de la Compagnie Théâtrale Ueinzz, un projet de théâtre avec des usagers psychiatriques à São Paulo. Le groupe a fait un travail de recherche en collaboration avec Alejandra Riera, à São Paulo (Enquête sur le/notre Dehors), qui a été presenté à la Documenta XII, à Kassel. Il est également co-editeur de n-1publications.
Le Puzzle n'est pas un jeu solitaire Un sitcom live à Aubervilliers, par Adva Zakai et Abäke
«Imaginez un sitcom sans intrigue ni télévision. Une série en cinq épisodes, le portrait d’un voisinage prenant la forme de rassemblements publics chez l’habitant. Plutôt que d’allumer son téléviseur, chacun est invité à rendre visite à ses voisins s’il veut pouvoir suivre les épisodes de la série. Chaque chapitre est une performance live, mais il n’y a pas de personnage, ni véritablement d’acteur; il n’y a pas non plus de scénario à suivre. En revanche, au gré des épisodes, des éléments récurrents vont se déployer en de possibles narrations et un tissage complexe de relations va se révéler - relations entre les gens et leur habitation, entre une personne et une autre, entre un espace et un autre. Avant que ce sitcom ne soit lancé, certains de ses éléments de composition seront disséminés dans la ville, propageant comme le bruit sourd d’une légende urbaine. Des gens seront «mis au courant» grâce au bouche à oreille, tomberont (accidentellement ou non) sur des publications de poche, et ainsi seront incités à suivre le développement de ces histoires jusqu’à ce qu’elles se cristallisent en les épisodes d’un "sitcom en salon"» (Adva Zakai)
Le puzzle n’est pas un jeu solitaire est un projet mené en collaboration avec Maki Suzuki (du collectif de graphistes Abäke) et accompagné du conseil artistique de la dramaturge Shila Anaraki. Au cours de leur résidence aux Laboratoires d'Aubervilliers début 2014, ils développeront un projet curatorial et performatif, prenant la forme d'un séminaire public (le 8 février), d'entretiens suivis de workshops avec les habitants, d'une publication fragmentée disséminée dans la ville (série de cinq publications de poche) puis des différents épisodes du "sitcom en salon", chez les habitants. Un livre rassemblera tous les fragments écrits, histoires, images et documentation, quatrième plateforme où les matériaux continueront d’évoluer. Ce livre, conçu telle une nouvelle pièce du puzzle, sera publié en juin 2014.
Projet réalisé avec le soutien du Ministère flamand de la Culture, d’Arcadi et de Fluxus
Peter Pál Pelbart is a philosopher and an essayist. He is a teacher at the Catholic Pontificale University of São Paulo. He translated books of Gilles Deleuze in Brasilian, and wrote on the relationships bewteen madness, philosophy, litterature but also on the issue of time, ether in the work of Deleuze, or its involvment in the clinical field, as well as in cinema or politics. He recently studied links between politics and subjectivity, in particular the biopolitic axis. His last book is Cartography of Exhaustion - Niilism Inside Out (n-1 publications). He is a member of Ueinzz Théâtrical Compagnie, a theatrical project with psychiatrist users in São Paulo. The group did a work of research in collaboration with Alejandra Riera, São Paulo (Investigation on the/our outside) that was presented during the Documenta XII, in Kassel. He is also co-editor of n-1publications.
"Ne travaillez jamais!" #5 ("Never Work!"): the text studied during this 5th workshop is a text by American artist Andrea Fraser, dealing with the art market, the liberal/capitalist economy, and the place of the artist. More information soon, stay tuned!
"Ne travaillez jamais!" ("Never Work!")a reading and discussion workshop open to all! While waiting for the Printemps des Laboratoires #2 (May 2014) focusing on the subject of "art and work", we propose a reading group to exchange ideas and come to grips with what is at the core of this rich issue, through monthly sessions and a body of literature supported by other material – texts, objects, films, documents, etc. We could discuss, among other things, the choice that some artists make to orient their practice to immaterial work, processing information and inhabiting social networks. In our reflection we will also include the question of remuneration and what it means, examining the specific cases of artists’ unions, studying the role of the artist as belonging to a capitalist semi-feudal system or occupying an oppressed and marginalized position, and many roles in between.
The meetings take place every second Tuesday of the month. This reading workshop is free and open to all: no specific knowledge is required, only the desire to read and participate to discussions!
"Ne travaillez jamais!" #5: autour du texte d'Andréa Fraser, «L’1%, c’est moi» (première publication dans la revue Text zur Kunst n°83, septembre 2011, p.114-127; texte en anglais). Alors que dans l’atelier de lecture de janvier nous nous intéressions à trois groupes d’artistes des années 60-70 prônant la réforme et/ou la révolution de la société par l’art, de la société de l’art, nous vous proposons à l'analyse le texte de l’artiste américaine Andrea Fraser et le courant de pensée actuel dont il est porteur, celui de la critique institutionnelle. Le 1%, ici, désigne le pourcentage de la population aux États-Unis détenant 40% de la richesse du pays. Ces quelques grandes fortunes qu’Andrea Fraser, en s’appuyant sur des données économiques très précises, décrit comme les moteurs du marché de l’art (secteur qui, il y a encore 25 ans, n’était pas considéré comme un terrain d’investissements performants), mais aussi comme les généreux donateurs de la plupart des musées et organisations à buts non lucratifs. Les forts bénéfices de ces hommes d'affaires étant largement permis par une idéologie «anti-taxes», ces lieux «alternatifs» apparaissent donc, en un sens, comme le fruit de cette idéologie. Comment l’artiste se positionne face à ce paradoxe? Et comment échappe-t-il au système de l’art? Sa seule alternative, nous dit Andrea Fraser, serait de reconnaître l'impossibilité de ne pas participer à cette économie, d'en faire la nature même de sa pratique artistique, de la rendre visible à l'intérieur même des institutions. «L’1%, c’est moi» est aussi à lire et à étudier comme un texte écrit par une artiste - ne portant d’ailleurs pas sur son travail, mais faisant partie intégrante de son «exercice» et de son positionnement artistique - qui nous permet de décrypter de nouvelles formes de discours voir même de manifestes.
"Ne travaillez jamais!", un atelier de lecture et de discussion ouvert à tous! En attendant le Printemps des Laboratoires #2 (mai 2014), qui se penchera sur la thématique "art et travail", nous vous proposons de venir constituer un groupe de lecteurs qui puissent échanger et s’emparer des enjeux soulevés par cette riche problématique, au gré de séances mensuelles et avec l'appui d’un corpus de textes et d’autres matériaux de réflexion de notre choix - textes, objets, films, documents, etc. Nous pourrons débattre, entre autres, du choix que font certains artistes d’orienter leur pratique vers un travail immatériel, un traitement de l’information et un investissement des réseaux sociaux. Nous serons aussi amenés à considérer la question de la rémunération et ce qu’elle implique, examiner le cas spécifique des syndicats d’artistes, étudier la place de l’artiste, allant de l’appartenance à un système capitaliste semi-féodalisé à une position opprimée et marginale.
Les rendez-vous ont lieu tous les 2ème mardi du mois. Cet atelier de lecture est gratuit et ouvert à tous: aucune connaissance préalable n’est requise, seulement le désir de lire et de participer aux discussions!
How are the body and its movements conditioned by dance and (pysical) labour? This last performance, in collaboration with writer and filmmaker Robert Schlicht, will end up the cycle of public openings that allowed to share Romana Schmalisch research around this issue.
Comment le corps et ses mouvements sont-ils conditionnés par la danse et par le travail? Cette dernière performance avec l'écrivain et réalisateur Robert Schlicht viendra clore un cycle de représentations publiques mis en place pour partager la recherche de Romana Schmalisch autour de ces questions.
