For her residence at Les Laboratoires d’Aubervilliers, the artist plans to develop a project that combines several media (installation, performance, video) and offers a reflection on the relationships between art and production, in connection with history and the site at Les Laboratoires along with its surrounding environment; it is a former metalworking factory in the Seine-Saint-Denis region near Paris, heavily marked by industry and a communist past.

Chorégraphie du travail (“The Choreography of Labour”) is a series of lecture performances that will at a later stage develop into a film project. The project revolves around the relationship of labour and art, including topics such as: the representation of production processes and power relations in film, the use of art forms by labour movements, the way artistic methods were also used to enhance efficiency in industrial production, as well as questioning ideas behind educational programmes of employment agencies. By reconstructing the diverse interconnections, both historically as well as from a contemporary perspective, the project “The Choreography of Labour” attempts to simultaneously investigate ways of re-establishing links between the spheres of labour and art. This reflection also serves as a starting point for reconsidering the role of the body in art/film/production as a testing ground for strategies of efficiency and education.

The journal "Notes sur le mouvement" follows the development of the research process and production in different stages, and presents the initial thoughts, collected materials and discussions with various people during a period of one year (see article beside).

Project realized with the support of the Goethe Institut, the Département de la Seine-Saint-Denis and of Khiasma.

Aux Laboratoires d’Aubervilliers, la performeuse et vidéaste Romana Schmalisch développe un projet associant plusieurs médiums (installation, performance, vidéo) et propose une réflexion autour des relations qui unissent l’art et la production, lié à l’histoire et au site des Laboratoires et à son environnement: une ancienne usine de métallurgie fine implantée dans le territoire de la Seine-Saint-Denis, marqué par l’histoire industrielle et communiste.

La Chorégraphie du travail est le titre d’une série de conférences-performances qui se développera ensuite sous la forme d’un film. Le projet questionne la relation entre le travail et l’art, abordant des problématiques telles que la représentation des processus de production et les relations de pouvoir dans le film, l’utilisation de formes artistiques dans les mouvements ouvriers, la manière dont les méthodes artistiques furent utilisées en vue d’accroître la rentabilité de la production industrielle, ou encore les principes qui sous-tendent les programmes de formation dans les agences pour l’emploi. En reconstruisant différentes interconnexions entre ces éléments de réflexion, selon une perspective à la fois historique et contemporaine, La Chorégraphie du travail tend à enquêter sur les liens existants entre les sphères du travail et de l’art. Cette réflexion sert également de point de départ pour reconsidérer le rôle du corps dans l’art/le film/la production – quand le corps est compris comme un espace d’investigation et d’expérimentation pour la mise en place de stratégies d’efficacité et d’éducation.

Le journal "Notes sur les mouvements" accompagne le processus de recherche et de production, et présente notes d'intention, matériaux collectés et discussions avec les différents interlocuteurs rencontrés durant un an (voir article ci-contre).

Projet réalisé avec le soutien du Goethe Institut, du Département de la Seine-Saint-Denis et de Khiasma.

The expression “toxic figures” refers to shapes, images, bodies or gestures generated by representations and behaviours that in the social and cultural realm create fixed identities which are harmful for individuals and society because they reproduce existing inequalities, discriminatory procedures, differentiation and identity reification.
The expression “toxic figures” refers to shapes, images, bodies or gestures generated by representations and behaviours that in the social and cultural realm create fixed identities which are harmful for individuals and society because they reproduce existing inequalities, discriminatory procedures, differentiation and identity reification. The term also signifies a break, a transformation, resistance that takes place through the complex use of these objectifying representations, through their embodiment, their deformation, twisting and morphing them, all in order to upset these representations, deconstruct them, spin them round and crush the walls that this carefully policed subjectivity creates. The toxic figure is a reaction to the violence we are subject to; it is at home in the crisis. It is omnipresent in our society.

DEsFIGURES TOXIQUES will endeavour to identify the toxic figures that are current in today’s society. What are the constructions used? What are their effects? The body, as a host for symptoms and a place for overcoming them; performance as a space in which acts are exchanged, a space for circulation; the institution as a place for sharing experiences, these will be at the heart of this week of meetings and programmes at les Laboratoires d’Aubervilliers. The event is based on the work of Latifa Laâbissi and a permanent research group set up in 2012 that came together with the aim of reflecting on aesthetic strategies developed in the field of art (particularly in France) in order to transform visual habits inherited from colonialism and what followed it. The first steps in their work were taken at the Ecole des beaux Arts de Nantes in January 2013 under the title Ruser l’image (Fooling images), dedicated to the ideas of stereotype, counter-stereotype and anti-stereotype.

DEsFIGURES TOXIQUES is this research group’s second work, bringing together artists (Mathieu Kléyébé Abonnenc, Patrick Bernier, Latifa Laâbissi, Olive Martin), theorists and historians (Lotte Arndt, Emmanuelle Chérel) from a variety of disciplines.

Guests will be invited daily to take part in their meetings, discussion platforms and conferences (Alice Diop, Marie-Laure Allain, Elena Agudio, Yves Borowice, Maxime Cervulle, Azouz Gharbi, Olivier Marboeuf, Zahia Rahmani, Karima Ramdani, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Ninette Succab-Glissant, Yolande Zauberman) as well as shows and performances with Nadia Beugré, Volmir Cordeiro and Latifa Laâbissi.

The exchanges, material and reflections will be made available through a display — a changing layout of images and texts at les Laboratoires d’Aubervilliers. This tool will grow throughout the week with additions from every event to finally become an exhibition open to the public until 20 December 2013.

With the support of the Département de la Seine-Saint-Denis, and in collaboration with the Ecole des Beaux-Arts de Nantes, and of the Dance department of the Paris 8 University, Saint Denis.

Isabelle Launay teaches history and aesthetics of contemporary dance in the Dance department at Université Paris VIII-Saint Denis as well as at the CNDC Angers. Her notable published works include A la recherché d’une danse modern – Rudolf Laban-Mary Wigman (In search of modern dance – Rudolf Laban-Mary Wigman) (Chiron, 1996), with Boris Charmatz, Entretenir, à propos d’une danse contemporaine (Maintaining conversations, on contemporary dance) (Presses du reel, 2002), with les Carnets Bagouet, les Carnets Bagouet, (Solitaires Intempestifs, 2007), with Sylvaine Pagès Mémoires et histoire en danse (History and Memory in Dance) (L’Harmattan, 2011), and with Marie Glon Histoires de gestes (About gestures) (Actes Sud, 2012). She also collaborates on a range of artistic projects with various contemporary dancer-choreographers. More information

Olivier Marboeuf is an author, critic, performer and independent curator. He has been the director of the Espace Khiasma since 2004. His path has led him through issues of the connections between text and voice to still and moving images and more broadly on the importance of sharing. For several years now his research has focused on a re-examination of colonialism according to the principles of narrative speculation that compete with the dominant historical tale. He is heavily involved in art cinema and is a producer with Spectre Productions and a programmer with Phantom, a department within Khiasma.

Olivier Marboeuf est auteur, critique, performeur et commissaire indépendant. Il est directeur de l'Espace Khiasma depuis 2004. Son parcours s'articule autour des problématiques du rapport du texte et de la voix avec l'image fixe ou animée et plus largement autour des enjeux de la transmission. Depuis plusieurs années, ses recherches se concentrent sur une relecture du colonialisme selon des principes de spéculation narrative qui viennent entrer en friction avec le récit historique dominant. Très impliqué dans le cinéma d'artistes, il est également producteur associé au sein de Spectre Productions et programmateur au sein de Phantom, un département de Khiasma.

Writer and art historian, Zahia Rahmani has been director of the Arts and Globalisation research programme since it was founded in 2004 at the Institut national d’histoire de l’art. It is a forward-looking, cross-disciplinary programme focusing on contemporary artistic practices in a globalised world. She has created an interactive bibliographic database on the subject. The body of more than 4500 works is a unique source of information on the globalisation of art and its theoretical impact, from its genealogy to what it has borrowed from comparative literature. From 1999 to 2002 she created and led the Research program, post-graduate study at the École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris, under the direction of Alfred Pacquement. Previously she worked at the Villa Arson, École nationale d’art de Nice, the Galerie nationale du Jeu de Paume and the Leo Castelli Gallery, New York. She is the author of a literature trilogy dedicated to contemporary figures of “outcasts” Moze (2003), Musulman (2005) and France récit d’une enfance (2006) published by Sabine Wespieser; on unexpected figures in postcolonial theory. She published Le Harki comme spectre ou l’Ecriture du déterrement (The Harki as a spectre or the Writing of Excavation) in Retours du colonial? Disculpation et réhabilitation de l’histoire coloniale (Return of the colonial? Exoneration and rehabilitation of colonial history), Editions Cécile Defaut (2010). Her writings are regularly reviewed and commented upon by researchers in France and abroad.

Ecrivain et historienne d'art, Zahia Rahmani dirige à l’Institut national d’histoire de l’art depuis sa création en 2004 le programme de recherche "Arts et mondialisation", un programme prospectif et transversal sur les pratiques artistiques contemporaines dans la mondialisation. Elle a notamment créée une base de données bibliographiques interactive sur le sujet. Ce corpus de plus de 4500 ouvrages a permis de constituer un fonds bibliographique unique sur la mondialisation de l'art et ses enjeux théoriques, de sa généalogie aux emprunts fait à la littérature comparée. De 1999 à 2002 elle a élaboré et dirigé le Research program, post-diplôme de l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris, sous la direction d’Alfred Pacquement. Auparavant, elle a travaillé à la Villa Arson, École nationale d’art de Nice, à la Galerie nationale du Jeu de Paume et à la Léo Castelli Gallery, à New-York. Elle est l’auteur d’une trilogie littéraire consacrée à des figures contemporaines "d’hommes bannis". Moze (2003), Musulman roman (2005) et France récit d’une enfance (2006) aux éditions Sabine Wespieser, un travail sur des figures impensées de la théorie postcoloniale. Elle a publié "Le Harki comme spectre ou l’Ecriture du déterrement", in Retours du colonial ? Disculpation et réhabilitation de l’histoire coloniale, éd. Atalante (2008) et "Le Moderne comme point d'arrivée sans fin", in Qu'est-ce que le contemporain,éd. Cécile Defaut (2010). Ses écrits sont régulièrement signalés et commentés par les chercheurs tant en France qu’à l’étranger.

Karima Ramdani is a doctoral student in political science at Université Paris VIII Vincennes-Saint-Denis and a member of the research group Genre Travail Mobilités (GTM) / CNRS. Her thesis topic is titled The impossible history of the anonymous. The experience of “indigenous” Algerian women during French colonisation 1830-1954. Her work deals with writing women’s history, particularly that of women belonging to so-called minority groups, questioning in particular the relationships among women who are said to be from a different “culture”. She aims to deconstruct the representations of Muslim women both in the Algerian colonial context and in the postcolonial context of France today, particularly in culture, by comparing the relationships between gender, “race”, class and sexuality. 

Karima Ramdani est doctorante en science politique à Paris 8 Vincennes Saint Denis et membre du laboratoire Genre Travail Mobilités (GTM) /CNRS. Son sujet de thèse a pour titre: L’histoire impossible des anonymes. Expériences des femmes "indigènes" algériennes pendant la colonisation française, 1830-1954. Ses travaux traitent de l'écriture de l'histoire des femmes, particulièrement celles appartenant à des groupes dits minorisés, en questionnant notamment les relations entre les femmes dites de "culture" différente. Elle tente de déconstruire les représentations à l'encontre des femmes musulmanes aussi bien dans un contexte coloniale en Algérie que postcolonial aujourd'hui en France, notamment dans la culture, en croisant les rapports de genre, de "race", de classe et de sexualité.

Psychologue clinicienne et psychanalyste, Ninette Succab Glissant est membre de l’École Lacanienne de Psychanalyse. elle travaille autour des questions des nouvelles érotologies, des identités hybrides et des questions de genre, de races et de classes. Elle intervient dans le collectif "CLINIC ZONES", organisme de formation permanente qui propose quatre sessions par an  à un public ouvert. Elle a récemment publié "Trois figures féminines de l¹art visuel contemporain africain américain" in L’unebévue n°24, Revue de Psychanalyse: Hontologies Queer (2007), a participé à la conférence Unebévue :Rhizome et créolisation, une poétique / Rencontre de L'unebévue avec Edouard Glissant à la Maison de l¹Europe (Paris), cf. L'unebévue n°26: Rhizome, Carte, Noeud Bo (Automne 2009). Elle a publié "Créoliser un fantasme de soumission. Isaac Julien, un artiste postcolonial" in L’unebévue n° 28, Revue de Psychanalyse: Les bateaux noirs du genre (2011).

Clinical psychologist and psychoanalyst, Ninette Succab Glissant is a member of the École Lacanienne de Psychanalyse. She works on the issues of new erotologies, hybrid identities and gender, race and class questions. She takes part in the collective "CLINIC ZONES" a lifelong training body offering four yearly sessions that are open to the public. She has recently published “Trois figures féminines de l’art visuel contemporain africain américain” (Three female figures in contemporary African American visual art) in L’unebévue n°24, Revue de Psychanalyse: Hontologies Queer (2007); she participated in the conference Unebévue: Rhizome et créolisation, une poétique / Rencontre de l’Unebévue avec Edouard Glissant à la Maison de l’Europe (Paris) (Rhizome and creolisation, poetics / Unebévue meets Edouard Glissant at the Maison de l’Europe), see L'unebévue n°26: Rhizome, Carte, Noeud Bo (Autumn 2009). She published “Créoliser un fantasme de soumission. Isaac Julien, un artiste postcolonial” (Creolising a fantasy of submission. Isaac Julien, postcolonial artist) in L’unebévue n° 28, Revue de Psychanalyse: Les bateaux noirs du genre (2011).

Yolande Zauberman, born in Paris, came to cinema through Amos Gitaï. In 1987 she directed her first documentary film, an intimate look at apartheid in South Africa, Classified People. The film was nominated for a César award and it won among others the Grand Prix at the Festival de Paris, the Bronze Rosa at the Festival de Bergamo (Italy). Her second film, Caste Criminelle (1989), shot in India, was selected for the Festival de Cannes. Three years later, she made her first feature-length film Moi Ivan, toi Abraham, selected for the New Directors/New Films festival in New York and awarded the Prix de la Jeunesse at the Festival de Cannes, the Golden St. George at the Moscow International Film Festival, the Prix du jury oecuménique at the Festival de Cannes, and the Art prize of Berlin. She then made Clubbed to Death (1996) and La Guerre à Paris (2001) with Elodie Bouchez, Roschdy Zem and Jérémie Regnier. She provided the original ideas for Tanguy (2001) and Agathe Cléry (2008) for Etienne Chatillez, and then returned to documentaries with Paradise Now and Un Juif à la mer, while continuing to do research on images with the creation of CATMASK, a video camera on a cat mask, which has led her to work with artists and dancers. More recently, with Stephen Torton she has filmed Too Soft For Anybody I Know, about Jean-Michel Basquiat. Today, Yolande Zauberman is producing Oh, je vous veux! a film-installation and spends her time producing her next film L’Amant palestsinien. Would you have sex with an Arab? is her 8th feature-length film, produced by Yves Chanvillard and Nadim Cheikhrouha (Screenrunner).

Yolande Zauberman, née à Paris, aborde le cinéma en travaillant avec Amos Gitaï. Elle réalise en 1987 un premier film documentaire sur l’intimité de l’apartheid en Afrique du Sud, Classified People. Nominé aux Césars, le film remporte entre autre le Grand Prix du Festival de Paris, le Bronze Rosa au Festival de Bergamo (Italie). Le second, Caste Criminelle (1989), tourné en Inde, est sélectionné au Festival de Cannes. Trois ans plus tard, elle signe son premier long métrage de fiction, Moi Ivan, toi Abraham, sélectionné au New Film New Director de New York, qui obtient entre autre le Prix de la Jeunesse au Festival de Cannes en 1993, le Poisson d’Or au Festival de Moscou, le Prix du jury œcuménique au festival de Cannes, le Prix des Arts de la Ville de Berlin, puis Clubbed to Death (1996) et La Guerre à Paris (2001) avec Elodie Bouchez, Roschdy Zem et Jérémie Regnier. Elle signe l’idée originale des films Tanguy (2001) et Agathe Cléry (2008) pour Etienne Chatillez, retourne au documentaire avec Paradise now et Un juif à la mer tout en poursuivant ses recherches sur l’image avec la création du CATMASK, une caméra sur un masque de chat, qui la conduit à travailler avec des artistes et des danseurs. Depuis quelques années, elle filme avec Stephen Torton, Too Soft For Anybody I Know, sur Jean-Michel Basquiat. Aujourd’hui, Yolande Zauberman poursuit la réalisation de Oh, je vous veux!film-installation et se consacre à la réalisation de son prochain film, L’Amant palestinien. Would you have sex with an Arab? est son 8ème long métrage, produit par Yves Chanvillard et Nadim Cheikhrouha (Screenrunner).

Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, born in 1977 in Yaoundé, Cameroon, is an independent art curator and biotechnologist. He has been living on and off in Berlin since 1997, where he studied Food Biotechnology in the University of Technology Berlin, did a doctorate in Medical Biotechnology in the Heinrich Heine University/ TU Berlin in Düsseldorf and a post-doctorate in Biophysics in Montpellier. He is the founder and artistic director of the art space SAVVY Contemporary Berlin – winner of the Berlin Senate’s Prize for art spaces – , as well as initiator and editor-in-chief of the journal SAVVY|art.contemporary.african, the first bilingual e-journal for critical texts on contemporary African art. He has worked as independent curator, art director and publisher for several international art projects, incl. at institutions like the Berlinische Galerie, Tensta Konsthal Sweden, Goethe Institute, Institute für Auslandsbeziehung (ifa), Kunstraum Kreuzberg /Bethanien, Arsenal Berlin, 7. Berlin Biennale, dOCUMENTA 13 / Konrad Adenauer Stiftung, District Berlin, KfB Bank Stiftung and Akademie der Künste Berlin. He was a fellow of the 2013 Einstein Foundation’s Berlin der Begegnung. Upcoming projects include If You Are So Smart, Why Ain't You Rich? (Exhibition) - Marrakesh Biennial Satellite; Giving Contours to Shadows (Exhibition/ Roundtables/ Interventions) - Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.), Hebbel am Ufer (HAU) Berlin, Gemäldegalerie, SAVVY Contemporary  and satellite projects in Lagos, Dakar, Johannesburg, Nairobi, Martil; The Ultimate Capital is the Sun. (Exhibition/ Symposium) - NGBK

Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, né en 1977 à Yaoundé, Cameroun, est curateur indépendant et biotechnologue. Il habite à Berlin depuis 1997, où il a étudié la Biotechnologie Alimentaire à l'Université de Technologie de Berlin. Il obtenu un doctorat en Biotechnologie Médicale à l'Université Heinrich Heine/TU Berlin à Düsseldorf et un post-doctorat en Biophysique à Montpellier. Il est le fondateur et le directeur artistique du centre d'art SAVVY Contemporary Berlin – vainqueur du Berlin Senate’s Prize récompensant les centres d'art – et l'initiateur et rédacteur en chef du journal SAVVY|art.contemporary.african, le premier journal électronique bilingue de textes critiques sur l'art contemporain africain. Il a travaillé comme curateur indépendant, directeur artistique et éditeur pour plusieurs institutions et projets artistiques internationaux. On compte parmis ses projets à venir: If You Are So Smart, Why Ain't You Rich? (exposition), Giving Contours to Shadows (exposition / tables rondes / interventions) et The Ultimate Capital is the Sun. (exposition / symposium).

Elena Agudio is a Berlin based art historian and curator. Her research is focused on the sharing and exchange of knowledge and skills across disciplines and cultures. She studied Art History at the University of Venice - Ca’ Foscari and in 2010 she received her PhD in Art and Design at the University of Architecture of Palermo (Italy). She has been recently appointed artistic co-director at SAVVY Contemporary–The Laboratory of form-ideas the non profit Berlin based art space founded and directed by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung. Since 2010 she is artistic director of the non profit association AoN_a platform for Neuroscience and Art, a project in collaboration with the Medical University of Charité, The School of Mind and Brain of the Humboldt University and the Institut für Raumexperimente, for which she has been curating projects at the Deutsche Guggenheim (Berlin) and the Library of the Peggy Guggenheim Collection (Venice). She also works as independent curator and writer.
Upcoming projects include Giving Contours to Shadows (Exhibition/ Roundtables/ Interventions) - Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.), Hebbel am Ufer (HAU) Berlin, Gemäldegalerie, SAVVY Contemporary  and satellite projects in Lagos, Dakar, Johannesburg, Nairobi, Martil; The Ultimate Capital is the Sun. (Exhibition/ Symposium) - NGBK.

Elena Agudio, basée à Berlin, est historienne de l'art et curatrice. Ses recherches se concentrent sur l'échange et le partage de connaissances et de savoir-faire trans-disciplinaires et culturels. Elle a étudié l'Histoire de l'Art à l'Université de Venise Ca' Forscari et obtenu en 2010 son doctorat en Art et Design à l'Université d'Architecture de Palerme (Italie). Elle a été récemment nommée co-directrice artistique du SAVVY Contemporary–The Laboratory of form-ideas, centre d'art associatif, situé à Berlin, créé et dirigé par Bonaventure Soh Bejeng Ndikung. Depuis 2010 elle est directrice artistique de l'association AoN-a platform for Neuroscience and Art (un projet mené en collaboration avec la Medical University of Charité, la School of Mind and Brain of the Humboldt University et l'Institut für Raumexperimente) et pour laquelle elle a créé des projets d'expositions au Deutsche Guggenheim (Berlin) et à la bibliothèque de la Peggy Guggenheim Collection (Venice). Elle est également curatrice indépendante et écrivain. On compte parmis ses projets à venir: Giving Contours to Shadows (exposition / tables rondes / interventions) et The Ultimate Capital is the Sun (exposition / symposium) – NGBK.

               
Ines, car elle mérite les Laboratoires d’Aubervilliers (Ines, because she deserves Les Laboratoires d’Aubervilliers): Ines has two merits. The first was at the Palais de Tokyo, in February 2013, a presentation as part of the ESSAIS open school master class, directed by Emmanuelle Huynh. The second was at the end of this, at the Centre National de Danse Contemporaine d’Angers. Now, Ines is coming to les Laboratoires d’Aubervilliers and presenting her own twists as part of DEsFIGURES TOXIQUES. For the fifth time, Ines will attempt to belong, enter, pass, be absorbed, be included. She is often identified as being the representative of a people. She is the reason for a great celebration to which she is never invited. Ines is never finished. To be part of the reality show she would like to participate in, she makes herself over, recasts herself, she disperses herself, she swells, she warms up. She does everything to make herself visible, understandable, accessible, palpable. I truly wish that Ines could be here with us tonight. I invited her, I wrote to her, I called her, but she never answered. I decided to come anyway and offer this evening’s entertainment to Ines, poor thing.

Free entrance on reservation at:
reservation@leslaboratoires.org and +33 153 561 590

Choreography and interpretation: Volmir Cordeiro  //  Artistic collaboration: Anne Lise Le Gac  // Last: 25’
Image: Fernanda Tafner

               
Ines a déjà eu deux mérites. Le premier, c’était au Palais de Tokyo, en février 2013, avec une présentation dans le cadre de l’école ouverte du master ESSAIS, dirigé par Emmanuelle Huynh. Le second, c’était à la fin de ce master, au Centre National de Danse Contemporaine d’Angers. Maintenant, Ines arrive aux Laboratoires d’Aubervilliers et présente ses propres torsions dans le cadre des Figures Toxiques. Pour la cinquième fois Ines va essayer d’appartenir, d’entrer, de passer, de pénétrer, de figurer. Elle est souvent identifiée comme la représentante d’un peuple. Elle est le motif d’une grande fête à laquelle elle n’est jamais invitée. Ines n’est jamais finie. Pour faire partie du reality show auquel elle veut participer, elle se refait, elle se remoule, elle se désorganise, elle se gonfle, elle se réchauffe. Elle fait tout pour se rendre visible, lisible, accessible et palpable. J’aimerais beaucoup qu’Ines soit ici avec nous ce soir. Je l’ai invitée, je lui ai écrit, je l’ai appelée, mais elle ne m’a pas répondu. J’ai donc choisi d’y être quand même et d’offrir cette soirée à Ines, la pauvre.

Entrée libre sur réservation à:
reservation@leslaboratoires.org et au 01 53 56 15 90

Chorégraphie et interprétation: Volmir Cordeiro
Collaboration artistique: Anne Lise Le Gac
Durée: 25’
Image: Fernanda Tafner